Живопись и рисунки

Картины Эвелин де Морган

2010-04-11T15:59:00.000-07:00

Медея

Луна

Королева Алиенора и Прекрасная Розамунда

Любовный напиток

Свет во тьме

Золотые часы

Вечерняя звезда над морем

Надежда в тюрьме Отчаяния

Флора

Ариадна на Наксосе

Ночь и сон

Венера и Купидон

Дриада

Русалки

Рассвет («Триумф Авроры»)

Геро, держащая факел для Леандра

Клития

Елена Троянская

Кассандра

Слепота и Алчность, изгоняющие радость из Города

Долина Теней

Духи Бури

Мелодия осени

Красный Крест («Аллегория Фландрии»)

Поля убитых

S.O.S.

Узница

Золотая клетка

Биография Эвелин де Морган

2010-04-05T10:18:00.000-07:00

Эвелин де Морган родилась 30 августа 1855 года в Лондоне. Она была старшим ребенком в богатой аристократической семье. Отец художницы, Персиваль Андре Пикеринг, был преуспевающим адвокатом, а мать, Анна Мария Вильгельмина, приходилась сестрой живописцу Джону Роддэму Спенсеру Стэнхоупу.
Эвелин получила прекрасное домашнее образование, а с 15 лет начала брать уроки рисунка. Родители считали, что для девушки из хорошей семьи важнее всего было удачно выйти замуж, однако сама Эвелин придерживалась на этот счет другого мнения. Она с детства мечтала о карьере художницы и в тайне от родителей занималась живописью под руководством своего дяди, который, вероятно, и познакомил ее с творчеством прерафаэлитов.
В 1873 году она поступила в Школу искусств Слэйда в мастерскую Пойнтера, где была одной из лучших женщин-студентов. В 1875 году после окончания школы Эвелин отправилась вместе с дядей в путешествие по Италии, посетила Рим, Перуджу, Ассизи и Флоренцию, где изучала произведения художников Раннего Возрождения. Особое впечатление на нее произвела живлпись флорентийской школы, и, в первую очередь, творчество Сандро Боттичелли, стиль и живописная манера которого отразилась в ее полотне «Флора» (1894).
В своем творчестве Эвелин испытала заметное влияние живописи прерафаэлитов, особенно Эдварда Берн-Джонса, став одним из самых талантливых из его последователей. Влияние Берн-Джонса на ее картины неоспоримо, и в то же время оно несет в себе черты индивидуальности. Ее образы более женственны, а цветовая палитра ярче и насыщеннее.
Первая же картина «Ариадна на Наксосе» (1877), написанная ей по возвращению в Англию и показанная в Галерее Дадли, принесла художнице успех.
За ней последовали полотна «Ночь и сон» (1878),«Венера и Купидон» (1878),«Дриада» (1884-1885),«Русалки» (1885-1886),«Рассвет» («Триумф Авроры») (1886).Они утвердили Эвелин как мастера мифологической живописи с ярко выраженным символическим оттенком.
В 1887 году художница вышла замуж за керамиста и декоратора Уильяма де Моргана, одного из соратников Уильяма Морриса по движению «Искусства и Ремесла». С 1890 по 1914 год супруги проводили зимы во Флоренции, так как мягкий климат Италии был необходим для слабого здоровья Уильяма, а шедевры ренессансной культуры были великолепной питательной средой для творчества Эвелин.
Женские образы занимают в творчестве де Морган особое место. Многие из ее картин представляют собой одиноко стоящую или идущую женскую фигуру. Таковы «Деянира» (1878), «Геро, держащая факел для Леандра» (1885),«Клития» (1886-1887),«Елена Троянская» (1898),«Кассандра» (1898).Значительная роль в этих полотнах отводится пейзажу, не только создающему необходимое настроение, но и несущему в себе глубокий символически смысл.
Поздние работы художницы, написанные на рубеже веков, становятся более сложными по композиции и символике, но при этом теряют лаконизм и ясность, которые были одним из главных достоинств творчества Эвелин де Морган. Среди несомненных удач этого периода – «Слепота и Алчность, изгоняющие радость из Города» (1897),«Долина Теней» (1899),«Духи Бури» (1900),«Мелодия осени» (1903).Эвелин, как и ее муж, проявила живой интерес к спиритизму и оккультным наукам, что нашло отражение в ее картинах, наполненных тайными знаками и тяготеющих к символизму. Многие ее полотна включают священные и аллегорические фигуры, сцены и легенды, как правило содержащие мораль. Вместе с мужем художница разработала метод живописи с использованием глицерина, который, хотя и был достаточно трудоемким, давал яркие и насыщенные цвета, которые она искала.
Большой интерес к творчеству Эвелин де Морган к первому десятилетию XX века значительно снизился. В 1916 году художница создала цикл из 13 аллегорических полотен, навеянных событиями Первой мировой войны, пожертвовав средства, вырученные от их продажи, на нужды Красного Креста.
Картины этого цикла, лишенные гармоничной целостности ранних работ, поражают образной мощью и большой внутренней силой.«Красный Крест» («Аллегория Фландрии») (1916),«Поля убитых» (1916),“S.O.S.” (1916).Те же качества отличают одно из последних полотен Эвелин де Морган, «Золотая клетка» (1919), посвященное, на первый взгляд, той же теме, что и ее более ранняя работа «Узница» (1907).Однако при более внимательном изучении бросается в глаза ее метафорический подтекст, позволяющий воспринимать ее как томлении души, стремящейся покинуть тесную телесную оболочку.
Художница умерла в Лондоне 2 мая 1919 года.

Уолтер Хауэлл Деверелл картины

2010-03-28T12:22:00.000-07:00

Двенадцатая ночь

Как вам это понравится

Любимец

Французский дофин

Ирландские бродяги

Зеленый попугай

Уолтер Хауэлл Деверелл биография

2010-03-20T10:03:00.000-07:00

Уолтер Хауэлл Деверелл родился 1 октября 1827 года в Шарлоттесвилле, штат Вирджиния, в семье выходцев из Англии. Родители вернулись на родину, когда Уолтеру исполнилось два года.
В возрасте 17 лет он поступил на службу в адвокатскую контору, параллельно посещая школу искусств Сасса, где в 1845 году познакомился с Россетти, который взял его под свое покровительство. Друзья в течение нескольких месяцев делили студию на Ред-Лайон-Сквер.
В 1846 году будущий художник окончательно сделал выбор в пользу живописи, поступив в Школу искусств при Королевской Академии. В период между 1847 и 1853 годами он показал на выставке четыре картины.
Россетти ввел Деверелла в круг своих друзей, познакомил его с остальными членами Братства Прерафаэлитов. В 1850 году Деверелл принял участие в издании журнала «Росток», печатного органа Братства. Когда в мае того же года от группы откололся Коллинсон, Россетти предложил Девереллу занять его место. Однако избрание нового члена так и не состоялось. Возможно, из-за того, что к тому времени художник был уже серьезно болен.
Несмотря на то, что Деверелл так и не стал официальным членом Братства, его творчество самым тесным образом связано с прерафаэлитами. Немногочисленные картины, написанные им, обнаруживают эстетическую и духовную связь с работами остальных. А его полотно «Двенадцатая ночь» самым неожиданным образом сыграло существенную роль в творчестве и личной судьбе остальных членов Братства.
Во время работы над картиной Деверелл долго не мог найти подходящий типаж для Виолы, пока, наконец, в лавке модистки, находящейся в переулке Крэнбоурн, не увидел Элизабет Сиддал. Не решаясь обратиться к ней с просьбой о позировании лично и боясь получить отказ, художник прибег к помощи своей матери в качестве посредника.
Картина представляет собой сцену из второго акта бессмертной комедии Шекспира. В центре в образе мечтательного герцога Орсино художник изобразил себя. Сидящему справа от него шуту Фесту придал черты своего друга Россетти. Ну а для левой фигуры Виолы, переодетой Цезарио, позировала Лиззи Сиддал, которой сам Деверелл, был очень увлечен. Эти три фигуры прописаны тщательно прописаны и выделяются на фоне более плоских фигур заднего плана.
Согласно легенде, Деверелл испытывал определенные трудности в написании головы Лиззи, особенно в отношении ее огненно-рыжих волос. Тогда он обратился за помощью Россетти. Так произошла встреча Данте Габриэля с Лиззи, положившая начало их странному печальному роману, породившему столько мифов.
«Двенадцатая ночь» стала первой картиной, для которой позировала Лиззи Сиддал. Впоследствии она стала одной из самых любимых моделей прерафаэлитов. Их Музой и воплощением их идеального представления о красоте. И женой Россетти.
Другой замечательно картиной Деверелла, написанной по мотивам пьес Шекспира, стало полотно «Как вам это понравится».
Увы, эта работам стала последней в творчестве художника и осталась незавершенной. Моделями для персонажей послежили сестра Деверелла Маргарет и его брат Спенсер. Считается, что картина создавалась прямо на плэнере в Суррейском лесу. Художник писал ее многие часы в любую погоду, укрывая под зонтом драгоценный холст и оставаясь равнодушным к сетованиям родственников.
Но художественная карьера Уолтера Деверелла, к сожалению, была коротка. В 1853 году умер его отец, и на плечи молодого человека легли все заботы о содержании младших братьев и сестры. Болезнь вынудила его оставить должность преподавателя в Школе рисунка. Ему не оставалось ничего другого, как работать дома.
2 февраля 1854 года в возрасте неполных 27 лет художник умер в Лондоне от воспаления почек.
Его семья осталась практически без средств к существованию. Друзья пытались помочь им, чем могли. Россетти дописал «Как вам это понравится», чтобы картину можно было продать и выручить хоть какие-либо деньги. Возможно, он испытывал угрызения совести за то, что увел у друга женщину?

Картины Джеймса Коллинса

2010-03-11T08:45:00.000-08:00

Милосердие мальчика

Отречение королевы Елизаветы Венгерской

Сын земли

Ответ на письмо эмигранта

На продажу

Мальчик-садовник

В беде

Быт эмигрантов

Святое семейство

Позволено

Обучение письму

Искушение

Биография Джеймса Коллинса

2010-03-03T08:38:00.000-08:00

Джеймс Коллинсон родился 9 мая 1825 года в Мэнсфилде, Ноттингемпшир, в семье издателя и торговца книгами. В 1846 году он перебрался в Лондон и поступил в Школу искусств при Королевской Академии, где познакомился с Миллесом, Россетти и Хантом.
Будучи глубоко верующим человеком, в своем творчестве Коллинсон уделял основное внимание духовным аспектам.
В 1847 году Коллиснон дебютировал на выставке с картиной «Милосердие мальчика».
Эта работа настолько восхитила Россетти, что он предложил молодому художнику вступить в только что основанное Братство Прерафаэлитов.
Картины, написанные Коллинсоном в период пребывания в Братстве, выполнены в полном соответствии с задачами, которые ставили перед собой молодые «бунтари». Его полотно «Отречение королевы Елизаветы Венгерской» (1848-1850) можно считать образцом прерафаэлизма.
Об этом говорит все – от драматического сюжета до точной техники исполнения и энергичного колорита.
В 1848 году Коллинсон увлекся сестрой братьев Россетти Кристиной. Ради помолвки с ней он примкнул к Англиканской церкви. Однако уже в 1850 году, мучимый угрызениями совести, он вернулся в католическую веру, что означало разрыв помолвки. В том же году художник покинул Братство Прерафаэлитов, объяснив свой поступок тем, что он как католик не может способствовать распространению некатолических идей. Одной из причин ухода была и картина Миллеса «Христос в родительском доме», из-за которой художника обвинили в богохульстве.
Коллинсон продал весь свой художественный скарб и посвятил себя религии.
В 1853 году Коллинсон поступил в Иезуитский колледж в Стонихерсте, намереваясь стать священником, однако уже через год бросил учебу и вернулся к живописи. С 1855 года он возобновил участие в выставках Королевской Академии. Вернувшись к живописи, художник уже так и не смог восстановить былые дружеские отношения с членами Братства. Уход из группы и разрыв помолвки с Кристиной легли между ними непроходимой пропастью
В 1858 году Коллинсон женился на Элизе Уилер, родственнице художника Джона Херберта.
Коллинсон стал постоянным участником выставок Общества британских художников, а в период с 1861 по 1870 годы выполнял в нем функции секретаря. В конце 1870-х он побывал во Франции, жил в Бретани, но в 1880 году вернулся в Лондон.
Умер Джейм Коллинсон от пневмонии 24 января 1881 года.

Чарльз Эльстон Коллинз картины

2010-02-27T11:42:00.000-08:00

Мысли монахини

Тревога Беренгарии за жизнь своего мужа Ричарда Львиное Сердце при виде его пояса

Портрет Уилки Коллинза

Портрет Уильяма Беннета

Май в Реджент-парке

Хороший урожай 1854

Детство святой Елизаветы Венгерской

Чарльз Эльстон Коллинз биография

2010-02-19T11:40:00.000-08:00

Чарльз Эльстон Коллинз родился 25 января 1828 года в семье известного пейзажиста Уильяма Коллинза. Знаменитый писатель Уилки Коллинз был его родным братом.
Он учился в Школе искусств при Королевской Академии, в выставках которой принимал участие с 1847 года. В 1850 году Коллинз познакомился с Миллесом, также бывшим студентом Академии. Лето 1851 года они провели вместе в Оксфорде. В саду Кларендон Миллес написал картину «Дочь лесоруба», а Коллинз – «Мысли монахини».
На полотне художник изобразил монахиню в белом одеянии, гуляющую в монастырском саду. Картина полна скрытых символов: книга в руке монахини открыта на странице с изображением распятия Христа («мистического жениха»), белые лилии, цветущие вокруг, олицетворяют непорочность. Монастырская ограда за спиной девушки очерчивает границы ее существования, в то время как пронзительно синее небо символизирует беспредельность жизни вечной.
Возможно, эта картина была связана с любовью художника к Марии Россетти, сестре Данте Габриэля, Уильяма Майкла и Кристины, которая отвергла предложение руки и сердца, а впоследствии стала монахиней.

В 1851 году Коллинз показал свою картину на выставке в Королевской Академии, где она подверглась ожесточенной критике вместе с полотнами Миллеса и Ханта.
Коллинз хорошо знал остальных членов Братства Прерафаэлитов, и ему было близко по духу их творчество. Под влиянием их идей появилась картина «Тревога Беренгарии за жизнь своего мужа Ричарда Львиное Сердце при виде его пояса».
Когда Джеймс Коллинсон покинул Братство, Миллес предложил вместо него кандидатуру Коллинза, однако Данте Габриэль Россетти хотел видеть на его месте Деверелла. За принятие Коллинза были также Хант и Стивенс, в то время как Вулнер категорически возражал, считая, что этот шаг несет в себе опасность раскола, и в этом его поддержал Уильям Майкл Россетти. В конце концов место Коллинсона так и осталось вакантным, а Братство Прерафаэлитов в итоге все равно распалось.
Коллинз написал очень мало картин. Он испытывал постоянные трудности на стадии завершении работы. Возможно, это стало причиной того, что в 1857 году художник по примеру своего знаменитого старшего брата обратился к литературе. Он написал два довольно успешных романа, две книги путешествий и несколько статей, однако постоянно испытывал нужду в средствах.
В 1860 году Коллинз женился на дочери Чарльза Диккенса Кэйт, которая сама рисовала.
Чарльз Эльстон Коллинз умер 9 апреля 1873 года в Лондоне после долгой и мучительной борьбы с раком, окруженный своими незаконченными картинами.
А Кейт после смерти мужа вышла замуж вторично за другого, более известного, художника Чарльза Эдварда Перуджини.

Артур Хьюз картины

2010-02-12T11:22:00.000-08:00

Артур Хьюз. Автопортрет

Апрельская любовь

Канун святой Агнессы

Леди Шалотт

Рождество

Благовещении

Долгое обручение

Рыцарь Солнца

Беспощадная прекрасная дама

Офелия

Офелия

Сэр Галахад

Артур Хьюз биография

2010-02-04T11:17:00.000-08:00

Артур Хьюз родился 27 января 1832 года в Лондоне. Он рано проявил способности к рисованию и в 1846 году поступил в Школу рисунка, а также брал уроки у Альфреда Стивенса. В 1847 году Хьюз поступил в античный класс Школы искусств при Королевской Академии, где в 1849 году был удостоен серебряной медали. В том же году художник дебютировал на ежегодной летней выставке Королевской Академии.
1850 год стал переломным в творческой судьбе Хьюза, так как он познакомился с художниками-прерафаэлитами – Хантом и Россетти, а также к с близким к ним Брауном. Их эстетические взгляды уже были знакомы ему по публикациям в журнале «Росток». Двумя годами позже Хьюз познакомился и с Миллесом.
Хотя Хьюз не был официальным членом Братства, влияние прерафаэлизма заметно как в стилистике работ художника, так и в выборе тем, традиционных для Прерафаэлитов: «Офелия» (1853), «Леди Шалотт» (1858), «Рыцарь Солнца» (1859-1860), «Прекрасная бессердечная дама» (1861-1863), «Сэр Галахад» (1865-1870).
В 1857 году Хьюз вместе с Россетти, Моррисом и Берн-Джонсом участвовал в росписи стен Оксфордского Союза (ныне помещение библиотеки) сюжетами из легенд о короле Артуре и рыцарях Круглого стола.
Самой знаменитой картиной Хьюза является его полотно «Апрельская любовь», показанное в Королевской Академии в 1856 году. Картина привела в восторг многих прерафаэлитов, а также Брауна и Джона Рескина, который хотел приобрести ее прямо с выставки, однако был разочарован, узнав, что его опередил Уильям Моррис, уже успевший оплатить покупку.
Выставляя картину, Хьюз по примеру многих прерафаэлитов сопроводил ее эпиграфом – отрывком из поэмы Теннисона «Дочь мельника»:

«Страсть горчей обид и гроз.
Страсть – пучина смутных грез.
Страсть – источник горьких слез…»

Моделью для главной героини послужила Трайфина Фурд, ставшая женой художника и матерью его шестерых детей. Для фигуры возлюбленного позировал скульптор Александр Манро, друг Хьюза, в мастерской которого он заканчивал картину.
В 1856 году спустя восемь лет после Холмана Ханта Артур Хьюз обратился к сюжету поэмы Китса «Канун святой Агнессы».
Китс входил в список «бессмертных», и картины на его сюжеты приветствовались прерафаэлитами. Художник написал триптих, стремясь тем саамы дать сюжет поэмы в развитии.
Несомненной удачей раннего периода творчества Хьюза стала его «Леди Шалотт» (1858).Он одним из первых обратился к этой поэме Теннисона на сюжет старинной легенды, ставшей впоследствии одной из традиционных и почти что обязательных тем для прерафаэлитов.
На картине изображен финальный эпизод поэмы, когда крестьяне находят бездыханное тело неизвестной, плывшей в лодке по реке. В противовес румяным и полнокровным крестьянкам тело леди Шалотт почти прозрачно. Взгляд невидящих глаз устремлен в сторону зрителя, туда, где ей открылся вид на Камелот.
Поза леди Шалотт напоминает милесовскую «Офелию», и это сходство определенно не случайно. По всей видимости, именно «Леди Шалотт» Хьюза спустя тридцать лет вдохновила на создание одноименной картины Уотерхауза.
К этому же периоду творчества относятся картины «Благовещение» (1858) и «Рождество» (1858), выполненные под заметным влиянием Россетти. Интересно, что все персонажи на этих картинах – женщины, за исключением младенца Иисуса.В этих своих работах Хьюз обратился к традиционной для прерафаэлитов символике. Белые лили в «Благовещении» говорят о непорочности Девы Марии.Виноградная лоза символизирует таинство причастия. Красная нить, тянущаяся от сердца Марии к мотку пряжи – символ жертвенной крови.
Интересна судьба картины «Долгое обручение» (1853-1859), которая первоначально задумывалась как сцена из пьесы Шекспира «Как вам это понравится» и изображала Орландо в Арденском лесу. Хьюз закончил работу над ней в 1855 году и представил на выставку в Королевской Академии, но полотно было отклонено жюри. Опечаленный этим известием художник переписал картину, не тронув только фон. Он изобразил на полотне двух влюбленных, обсуждающих в тени дерева обстоятельства, вновь и вновь препятствующие их свадьбе.
Молодой человек в одеянии священника выглядит утомленным и подавленным невозможностью обеспечить будущее своей семьи, в то время как девушка пытается вновь и вновь ободрить его. Подобно многим женским персонажам Хьюза она является воплощением викторианской добродетели. На стволе дерева на переднем плане заметно вырезанное на коре женское имя «Эмми», что позволяет предположить, что так зовут героиню, а дерева, в тени которого они стоят – место их постоянных свиданий. Однако женское имя едва заметно и скрыто плюющем, что является свидетельством безжалостного и быстротечного времени.
Художник поместил фигуру мужчины в тень, в то время как женская фигура освящена яркими лучами солнца, что является символом надежды, как и цветы, размещенные на фоне позади девичьей фигуры.
Творчество Артура Хьюза развивалось в период, когда прерафаэлиты были увлечены средневековыми легендами, среди которых самыми яркими и привлекательными являлись предания о короле Артуре и рыцарях Круглого стола. Картину Хьюза «Рыцарь Солнца» (1859-1860) не следует считать прямой иллюстрацией к одной из легенд. Художник попытался создать собирательное полотно, которое передало бы дух той легендарной эпохи, которую столь почитали прерафаэлиты.
Картина изображает рыцаря, вероятно смертельно раненого, которого соратники несут на руках, чтобы дать ему последнюю возможность взглянуть на солнце. Сюжет картины позволил Хьюзу пойти на смелый живописный эксперимент, показав траурную процессию, залитую красным закатным светом.
Чтобы как можно достовернее передать это состояние, художник провел много часов и дней, наблюдая закаты в живой природе по примеру Ханта, чей «Светоч Мира» произвел на него сильное впечатление. Впоследствии он еще не раз вернется к проблеме освещения, создав целый ряд полотен, в которых присутствует свет свечи или фонаря. Среди наиболее известных из них «Смелый солдат» (1866-1867) и «Джек О’Лантерн» (1872).
Артур Хьюз не избежал влияния Милесса, одного из самых одаренных в живописном плане членов Братства Прерафаэлитов, о чем свидетельствует его полотно «Дочь дровосека» (1860). Художник создал типичную для викторианского искусства милую и сентиментальную сценку. На переднем плане он изобразил ребенка, спящего на куртке отца, в то время как он сам работает неподалеку.
Моделью для главного персонажа послужила девочка Энни, дочь друга художника Александра Манро. Полотно говорит о легкой непринужденностью исполнения, ставшей отличительной особенностью художественного мастерства Артура Хьюза. Сохранилось интересное свидетельство, согласно которому в 1862 году Хьюз получил письмо от некоего коллекционера, выразившего желание приобрести предварительный эскиз или этюд картины. Художник же отвечал, что не может выполнить просьбу при всем своем желании, так как для этой работ он не делал никаких предварительных набросков.
Артур Хьюз был весьма скромным и не амбициозным человеком. Он не держал зла на Королевскую Академию, неоднократно отклонявшую его работы, представляемые на выставки. Он никогда не был членом Королевской Академии и даже не делал попыток стать им.
В жизни Хьюз был мягким, доброжелательным человеком, нежным мужем и отцом. Все эти качества нашли отражение в его работах, полных гармонии и безмятежности. Таких, как «Урок музыки» (1864), «Пикник в честь дня рождения» (1866-1867), «Рождественский гимн в Брекен Ден» (1878-1889).
Майкл Уильям Россетти писал о нем: «Если бы мне предложили назвать среди своих многочисленных знакомых самого приятного и бесхитростного, свободного от ненависти, злобы и зависти человека, я, вне всяких сомнений, остановил бы свой выбор на мистере Хьюзе».
Хьюз был не только талантливым живописцем, но и блестящим иллюстратором. Пик его графической карьеры приходится на 1860-е годы, когда он активно сотрудничал с журналами, а также оформил ряд книг, преимущественно детских.
Умер Артур Хьюз в Лрндоне 23 декабря 1915 года, оставив после себя около семисот картин и рисунков, а также около семисот пятидесяти книжных иллюстраций. Жена Трайфина пережила художника на шесть лет. После ее смерти дочь Хьюза Эмили вынуждена была перебраться в более скромное жилище, предварительно уничтожив множество подготовительных эскизов отца, его черновые записи и всю частную переписку. Это стало невосполнимой потерей для тех, кто изучает творчество прерафаэлитов.

Форд Мэдокс Браун картины

2010-01-27T08:29:00.000-08:00

Ф. М. Браун. Автопортрет

Манфред на вершине Юнгфау

Гайде находит Дон Жуана

Грезы Байрона

«Семена и плоды» английской поэзии

Мадонна с младенцем

Виклиф читает перевод своей Библии Джону Гонту

Чосер при дворе короля Эдуарда III

Портрет Эммы Мэдокс Браун

Симпатичные барашки

Возьмите вашего сына, сэр

Прощание с Англией

Иисус, омывающий ноги Петру во время Тайной Вечери

Илия возвращает сына вдове

Труд

Корделия у постели короля Лира

Ромео и Джульетта

Форд Мэдокс Браун биография

2010-01-21T08:16:00.000-08:00

Форд Мэдокс Браун родился 16 апреля 1821 года в Кале, в семье отставного корабельного казначея, шотландца по национальности. В 1836 году отправился учиться в Европу. Сначала в Брюгге, где он брал уроки рисунка у одного из учеников Давида, а позднее перебрался в Антверпен, где учился в мастерской Густава Вапперса. Здесь он освоил самые разные художественные техники – фреску, масляную живопись, акварель, пастель, литографию и другие виды гравюры. Уже первая его большая картина «Казнь Марии Шотландской» (1840) явилась демонстрацией зрелого мастерства художника.
Вскоре Браун перебрался в Париж, где поддался обаянию французской романтической живописи с ее увлечением литературными сюжетами, энергичным мазком и смелым колоритом.
Своеобразным отражением его новых эстетических предпочтений стала картина «Манфред на вершине Юнгфау» (1842), написанная на сюжет поэмы Байрона.Впоследствии Браун не раз обращался к его поэзии, привлекавшей художника яркостью образов и эмоциональной силой.
3 апреля 1841 года Браун женился на своей кузине Элизабет Бромли. В 1843 году у молодоженов родилась дочь Люси, ставшая впоследствии художницей и женой Уильяма Майкла Россетти.
В 1844 году Браун принял участие в конкурсе на роспись нового Вестминстерского дворца, представив картон на тему «Тело Гарольда приносят Вильгельму Завоевателю».
В 1845 году художник совершил путешествие в Рим и познакомился с Фридрихом Овербеком, лидером группы немецких художников, объединившихся в Братство святого Луки (их также называли назарейцами). Это объединение живописцев предшествовало появлению в Англии Братства Прерафаэлитов и имело с ними ряд общих черт.
Вера назарейцев в духовно-нравственную миссию искусства и их стремление возродить духовную атмосферу Средневековья нашли отклик в душе Брауна и утвердили его в правильности избранного пути.
В 1846 году Форд Мэдок Браун вернулся в Англию, где продолжил работу над триптихом «Семена и плоды» английской поэзии» (1845-1851), задуманным еще в Италии.
Однако в сентябре в семье художника произошло несчастье… Его жена Элизабет умерла, оставив Брауна с трехлетней дочерью на руках.
Убитый горем он тем не менее не оставлял занятия живописью. В этот период была написана проникновенная картина «Мадонна с младенцем» (1847).Тема материнства впоследствии не раз находила отражение в творчестве Брауна.
В том же 1847 году художник приступил к работе над большим полотном «Виклиф читает перевод своей Библии Джону Гонту».Картина была показана в 1848 году на выставке в Королевской Академии.
«Виклиф…» Форда Мэдокса Брауна произвел огромное впечатление на молодых художников, объединившихся в том же году в Братство Прерафаэлитов. Известно, что и другие работы Брауна произвели на юного Данте Габриэля Россетти такое неизгладимое впечатление, что он в марте 1848 года написал старшему товарищу восторженное письмо с просьбой принять его в ученики.
Браун, не привыкший к похвалам, заподозрил в письме издевку и отправился на встречу с Россетти, кипя от негодования и прихватив массивную трость, дабы как следует проучить юнца. Но, увидев в глазах молодого человека непритворное благоговение и энтузиазм, смягчился и все-таки взял его в ученики.
Их отношения переросли в настоящую дружбу, которая в скором времени подверглась проверке на прочность. Россетти отличался порывистым характером и довольно быстро отказался от услуг Брауна в качестве учителя, предпочтя ему консультации Ханта, в мастерскую которого на Кливленд-стрит, 7 он перебрался уже в августе. Однако это никак не сказалось на отношении Брауна к бывшему ученику, с которым он поддерживал отношения в течение всей жизни Россетти, а после его смерти в 1882 году стал автором проекта надгробия на могиле друга.
Через посредство Россетти Браун познакомился с Хантом, Миллесом и другими членами Братства Прерафаэлитов. Художник с симпатией относился к их эстетической программе, хотя и не во всем соглашался с ними. Будучи старше по возрасту и обладая независимым и достаточно сложным характером, Браун никогда не предпринимал попытки вступить в Братство, предпочитая свой собственный путь в искусстве.
Надо сказать, что и сами прерафаэлиты не слишком желали присоединения Брауна. Миллес и Хант относились к нему с предубеждением, так что Россетти, который был не прочь принять друга в Братство, оказался в меньшинстве.
Тем не менее, оставаясь номинально независимым, Браун не избежал влияния прерафаэлизма, проявившегося в первую очередь в отношении колорита, который стал более ярким и сочным. В свою очередь прерафаэлиты, оставаясь закрытым объединением, испытывали в своем творчество влияние мощной и животворной художественной манеры Брауна.
Одной из программных работ в творчестве художника стала картина «Чосер при дворе короля Эдуарда III» (1851), основой для которой послужил написанный ранее триптих «Семена и плоды английской поэзии».
Взяв за основу центральную часть триптиха, художник развил ее в самостоятельное полотно, впечатляющее не только своими размерами, но и обилием фигур, представленных в самых различных ракурсах. Стремясь к максимальной достоверности, Браун тщательно изучал материальную культуру изображаемой эпохи, ее костюмы и нравы. Тщательность, с которой написаны многочисленные детали, ее сочный и солнечный колорит красноречиво говорят о влиянии идей Братсва Прерафаэлитов, многие члены которого (а также люди их круга, включая, возможно, и Лиззи Сиддал) послужили моделями для ее персонажей, что также было в духе прерафаэлизма. Картина была выставлена на выставке Королевской Академии 1852 года, но не встретила понимания со стороны критики и публики, в чем художник в те годы очень нуждался.
Овдовев, Браун не долго оставался один. В 1848 году он сошелся с Эммой Матильдой Хилл, дочерью херфордширского фермера, бывшей его моделью. Эмма заменила мать его пятилетней дочери, а 11 ноября 1850 года родила ему вторую дочь Кэтрин, которая, как и Люси впоследствии стала художницей.
Строгая викторианская мораль осуждала внебрачные отношения, и в конце концов художник и его избранница решили зарегистрировать свой брак. Свадьба состоялась 5 апреля 1853 года в церкви святого Дунстана на Флит-стри. Свидетелями были Данте Габриэль Россетти и Томас Седдон. В день бракосочетания Браун сделал со своей жены пастельный рисунок.
Два года спустя Эмма родила художнику сына Оливера, подававшего большие надежды как художник и поэт, которые не позволила ему реализовать безвременная смерть. 5 ноября 1874 года юноша умер от заражения крови. Россетти написал на его смерть сонет «Безвременная потеря».
В сентябре 1856 года у супругов родился сын Артур, проживший всего год и умерший во младенчестве.
Но в цело второй брак Форда Мэдокса Брауна поначалу был счастливым. 1850-е годы стали наиболее плодотворными для его творчества. В этот период он создал лучшие свои картины, моделью для которых часто была Эмма. Ее характерное несколько простоватое скуластое лицо с миндалевидными глазами и обильным румянцем на щеках легко узнаваемо на многих полотнах художника. Она стала хорошей хозяйкой и любящей матерью, однако после смерти младшего сына Артура пристрастилась к спиртному, что впоследствии, особенно после ухода из жизни и старшего сына Оливера, приняло катастрофические формы, осложнив и без того непростую жизнь Брауна.
Одной из самых светлых работ в творчестве художника является полотно «Симпатичные барашки» (1852), ставшие первой картиной Брауна, написанной на плэнере.Как никакая другая из его картин, она выражала радость и ощущение полноты жизни.
Браун и раньше писал природу через дверной проем своей мастерской, но это не давало столь поразительного солнечного эффекта. «Симпатичные барашки» писались в полном соответствии с одной их доктрин прерафаэлизма, заимствованной прерафаэлитами у Рескина, - писать природу на природе. Сюжет картины сентиментален и типичен для викторианской живописи, и, возможно, она была бы скучной и слащавой, если бы не новаторский подход к цвету и свету, открывший для английских художников новые пути восприятия и познания окружающей жизни.
Кроме того картина содержит и религиозный подтекст. Женщина с ребенком на руках является интерпретацией иконографии Мадонны с Младенцем, а безмятежно пасущиеся ягнята символизируют невинные души.
Моделями для этой сцены послужили жена художника и дочь Кэтрин. Что касается четвероногих персонажей, то их каждый день по договоренности привозили из Клэпхема в телеге и опускались пастись вблизи сада у дома Брауна. Многие часы, которые художник провел на солнце, работая над картиной, не прошли бесследно для его здоровья, обернувшись солнечным ударом. Вторым ударом для Брауна стало то, что картина, показанная на выставке Королевской Академии, так же как и открывавшая новый подход к живописи картина Ханта «Наши английские берега», была фактически проигнорирована критиками.
Одной из самых загадочных картин Брауна является «Возьмите вашего сына, сэр» (1851-1857). На полотне изображена женщина, держащая в руках младенца. Она не то показывает его, не то протягивает крохотное обнаженное детское тело в направлении зрителя, словно вовлекая его в действие, делая его соучастником сцены, что придавало полотну оттенок скандальности. Исследователи считаю, что главной темой картины является судьба внебрачных детей. Тем более что в то время, когда художник начинал работать над картиной, их отношения с Эммой еще не были узаконены, а дочь Кэтрин родилась вне брака.
Однако на это полотно можно посмотреть и под другим углом. Браун очень хотел сына, и не исключено, что рождение двух сыновей в ходе работы над картиной повлияло на замысел произведения. В нем, как и в «Симпатичных барашках», просматривается религиозная тема. Круглое зеркало позади головы женщины, в котором отражается силуэт мужчины, образует вокруг нее подобие нимба, символизируя святость материнства и придавая женщине сходство с Мадонной.
Художник не раз переписывал картину и менял ее композицию. О первоначальном размере полотна может свидетельствовать подпись, сделанная ниже и правее фигуры младенца. Моделью для женщины послужила Эмма, а ребенку на ее руках Браун предал сходство со своим сыном Артуром. Возможно, что именно его смерть в 1857 году стала причиной того, что художник так и не завершил картину.
В 1852 году один из друзей Брауна, член Братства Прерафаэлитов Томас Вулнер в поисках лучшей жизни эмигрировал в Австралию, дав художнику сюжет для новой картины «Прощание с Англией» (1852-1855).
Тема эмиграции в те годы была актуальна не только для Англии, но и для самого Брауна. Устав бороться с безденежьем, он и сам подумывал о возможности переезда в Индию.
Невеселые мысли художника отразились на лицах двух главных персонажей картины – мужчины и женщины, которым Браун придал сходство с собой и Эммой, что добавило полотну остроты и трагизма. На заднем плане художник изобразил людей самых разных возрастов, находящихся на том же корабле – детей, стариков, мужчин средних лет. Кто-то из них курит, кто-то молится. Девочка с широко открытыми глазами откусывает от яблока кусок. Юнга на заднем плане выбирает в пришвартованной к борту шлюпке провизию для приготовления первой трапезы на борту.
О том, что эмигрантам предстоит долгое путешествие, красноречиво говорят развешенные на поручнях свежие овощи. На фоне общей суеты фигуры главных персонажей выглядят застылыми и отрешенными, а форма тондо, которую художник удачно избрал для своей картины, концентрирует на них все свое внимание.
Картина, законченная в 1855 году, вызвала интерес зрителя и была приобретена с выставки, что избавило художника от необходимости эмиграции.
Подобно членам Братства Прерафаэлитов Браун не раз писал картины на религиозные сюжеты, используя их как повод для того, чтобы поднять ту или иную нравственную проблему. «Иисус, омывающий ноги Петру во время Тайной Вечери» (1852) стал одной из таких работ.В ней нашли отражение взгляды и мысли художника, под влиянием которых он создал не столько религиозное, сколько социальное полотно с основной мыслью о равенстве всех людей. Интересной и новаторской стала трактовка образа Иисуса, далекая от евангельской. Его обнаженные до плеч руки – мускулистые руки рабочего человека.
Браун использовал членов семьи и друзей в качестве моделей. Среди персонажей угадываются Джордж Стивенс, позировавший для Иисуса, братья Россетти, Уильям Холман Хант и его отец, а также Лиззи Сиддал.
Картина экспонировалась на ежегодной выставке Королевской Академии, но была повешена неудачно. При плохом освещении в одном из удаленных залов она осталась практически незамеченной. Это обстоятельство настолько вывело художника из себя, что он поклялся больше никогда не давать свои работы на выставки Академии.
В последующие годы Браун не раз обращался в своем творчестве к библейским темам. В 1863 году он выполнил серию рисунков к Библии для братьев Дальзель, известных граверов и издателей. Многие из иллюстраций впоследствии стали картинами. Например, «Илия возвращает сына вдове» (1864) на сюжет из библейской Третьей Книги Царств, написанная по заказу коллекционера Джона Хэмильтона Триста.
Живописный талант Брауна проявился в этой картине во всей своей полноте. Художнику удалось придать краскам удивительную яркость и светоносность, передать ощущение экстатического восторга перед лицом свершившегося чуда.
Вершинным достижением Брауна-живописца стало воплощение монументального и грандиозного полотна «Труд» (1852-1865), воспевающего величие человеческого труда и выдвигающего на первый план идею равенства всех людей.
Идея картины пришла к художнику в 1852 году, когда он жил в Хемпстеде, районе на окраине Лондона. Однажды на Хит-стрит Браун увидел группу землекопов, копающих траншею для прокладки канализации. Этот эпизод занял центральное место в будущей картине, ставшей аллегорией современного художнику английского общества и отразившей самые разные виды труда не только физического, но и интеллектуального.
В правой части картины художник изобразил Фрэнсиса Дугласа Морриса, лидера христианского Социалистического движения и основателя Рабочего колледжа, в котором Браун вслед за Россетти с 1856 по 1860 годы преподавал искусство. Рядом с ним он поместил фигуру Томаса Карлейля, социальной философией которого был увлечен в то время.
Браун построил свое полотно на контрастах, причем не только цветовых, но и смысловых, столкнув в нем богатство и бедность, труд и праздность. Фигуры землекопов доминируют на полотне. Художник изобразил их в энергичных ракурсах, подчеркивающих силу рук и красоту движений. Фигуры трудящихся людей освещены ярким солнечным светом, создавая на полотне мощный и сияющий центр, в то время как фигуры двух праздно прогуливающихся всадников, которым преградили дорогу ограждения, списаны с задним планом, утопающим в тени. Вокруг землекопов изображены люди самых разных возрастов и сословий – торговцы, разносчики, фермеры, шикарные дамы из высшего общества, нищие ребятишки.
Чтобы придать краскам дополнительную сочность, художник писал на белом грунте, а не на коричневом, как было принято в академической среде. Он сделал множество этюдов улицы в перспективе и зарисовок фигур. Кроме того Браун писал картину прямо на плэнере, стремясь придать ей жизненность и достоверность документа.
Трагические обстоятельства личной жизни Форда Мэдокса Брауна также нашли отражение на полотне. В центре картины художник изобразил младенца на руках женщины, написанной со спины. Взгляд ребенка, устремленный прямо на зрителя, приковывает к себе внимание и рождает смутную тревогу. Художник придал ему черты сходства со своим сыном Артуром, чья ранняя смерть глубоко потрясла его.
Появление на картине такого персонажа позволяет взглянуть на не под другим углом, увидеть скрытые в ней глубины и лучше понять Брауна, для которого это полотно стало частью его жизни, если не самой жизнью.
Мечтавший вырваться из нужды Браун возлагал на «Труд» большие надежды. Однако масштаб темы не позволял художнику писать быстро, и работа над картиной растянулась на долгие тринадцать лет. В своем стремлении достичь абсолюта он снова и снова возвращался к своему полотну, внося в него поправки, исправляя и переделывая.
Тем не менее уже в 1856 году задолго до завершения работы картину согласился приобрести некто Томас Плинт, один из сторонников Общества умеренности из Лидса. Именно он настоял на том, чтобы Браун ввел в картину новый персонаж – фигуру девушки, раздающей брошюры общества, что, по его мнению, придавало полотну социальную остроту. Так и не дождавшись завершения картины, заказчик умер, однако наследники все же приобрели ее у художника с выставки 1865 года, где она имела шумный успех.
«Труд» стал одной из первых серьезных попыток в английском искусстве показать труд простых рабочих. Несмотря на определенную долю социального идеализма, это полотно открыло новую тему для многих английских художников.
Подобно многим прерафаэлитам, Браун не раз обращался к сюжетам шекспировских пьес. В 1849 году он написал и портрет великого драматурга. Творения Шекспира были у членов Братства Прерафаэлитов в особом почете. Выше них они ставили только Библию.
Брауна в первую очередь привлекал драматизм ситуаций, поэтому он чаще обращался к трагедиям.
В 1843 году, восхищенный игрой Уильяма Чарльза Макрида в постановке «Короля Лира» на сцене Лондонского театра, художник обратился именно к этому произведению Шекспира. В общей сложности в течение одного года он сделал 16 эскизов различных сцен.
В 1844 году, находясь в Париже, Браун сделал первые эскизы для своей будущей картины «Корделия у постели короля Лира» (1848-1854) считающейся одним из лучших воплощений данной трагедии в английской живописи.
Другой не менее известной картиной Брауна на шекспировский сюжет стало полотно «Ромео и Джульетта» (1870), для которой художник избрад сцену свидания на балконе.Эмма, позировавшая ему для юной героини, к тому времени была уже не столь молода, к тому же пристрастие к выпивке состарило ее раньше времени. Не был юношей и Чарльз Огастес Хауэлл, секретарь Рескина, послуживший моделью для Ромео. Возможно, поэтому картина лишена той четкости изображения, которой славились работы Брауна.
Во время работы над «Ромео и Джульеттой» сам Форд Мэдокс Браун переживал безответную любовь к своей ученице Марии Спартали, что придавало его работе ноту печали.
К концу 1850-х годов Браун отказался от идеи приоритета живописи перед другими видами искусства. Начиная с 1861 года, художник активно сотрудничал с фирмой «Моррис, Маршалл, Фолкнер и Ко», для которой разрабатывал эскизы мебели, керамической плитки и витражей. Он также стал одним из вдохновителей первой выставки движения «Искусства и Ремесла». Художник пробовал себя в книжной графике, сделав ряд иллюстраций к Библии и «Поэтам XIX века» Вильмонта.
Несмотря на тяжелый и несколько угрюмый характер, Браун был чрезвычайно добрым и отзывчивым человеком. Зная не понаслышке, что такое нужда, он часто и охотно помогал деньгами своим знакомым-художникам, а также их вдовам и детям. Принимал он и участие в судьбах людей, которые позировали ему и происходили по большей части из бедных семей. Он не только платил им за сеансы, но и нередко помогал продуктами и одеждой даже после того, как работа над картиной была закончена. И все это при том, что сам Браун никогда не был состоятельным человеком.
Начиная с 1878 года, Браун жил преимущественно в Манчестере, где ему было поручено расписать здание городской ратуши фресками из истории города. Эта работа продолжалась в течение пятнадцати лет практически до самой смерти художника.
В 1887 году в Манчестере состоялась большая ретроспективная выставка работ Брауна, ставшая итогом почти что полувекового творческого пути.
В 1891 году почитатели творчества Брауна собрали по подписке сумму в 900 фунтов в качестве вознаграждения за картину, которую он должен был написать для национальной галереи. Художник принял заказ и приступил к созданию полотна, но завершить его так и не успел.
Он умер в Лондоне 6 октября 1893 года в возрасте 72 лет.
При жизни Форд Мэдокс Браун был малоизвестен и не слишком популярен. К причинам этого можно отнести и натянутые отношения с Джоном Рескином, чей авторитет в художественной среде был чрезвычайно высок.
Лишь в конце жизни Браун обрел некое материальное благополучие. Он работал над своими полотнами кропотливо и медленно, никогда не шел ни на какие компромиссы. Возвращался к своим работам вновь и вновь, внося в них изменения.
Художник написал не так много картин, как ряд его друзей, но на каждой из них лежит печать оригинальности и незаурядности его личности и таланта.
Самое представительное собрание работ Брауна находится в Манчестере.

Фрэнк Кедоган Коупер картины

2010-01-14T07:49:00.000-08:00

Гамлет

Франциск Ассизский и Небесная музыка

Как Дьявол, переодетый бродячим трубодуром, пел монахиням любовную песню

Тщеславие

Молли, герцогиня Нона

Марианна на юге

Эразм и Томас Мор посещают детей Генриха VII в Гринвиче

Фрэнк Кедоган Коупер биография

2010-01-08T07:44:00.000-08:00

Фрэнк Кедоган Коупер родился 16 октября 1877 года в Викене, Нортхемптоншир, в семье приходского священника. В 1896 году он поступил в Школу искусств в лондонском районе Сент Джон Вуд, а спустя год – в школу при Академии, по окончании которой в 1902 году совершил путешествие по Италии.
В своем творчестве Коупер придерживался академической манеры живописи, хотя в ранней его живописи можно было заметить влияние эстетики прерафаэлитов. Поэтому иногда художника называют «Последним Прерафаэлитом», сумевшим сохранить в своих работах некоторые из их идеалов, несмотря на то, что более ста лет отделяют его последние картины от времени основания Братства.
Поражает тщательность и дотошность, с которой Коупер подходил к изображаемому предмету.
Так, работая над картиной «Гамлет», изображающей сцену на кладбище, в стремлении добиться подлинной достоверности, художник распорядился вырыть специальную могли, что невероятно смутило его соседей.
Задумав полотно «Франциск Ассизский и Небесная музыка», он совершил паломничество в Ассизи и уговорил местного епископа позировать ему.Интересна история создания картины «Как Дьявол, переодетый бродячим трубодуром, пел монахиням любовную песню», показанной на выставке Королевской Академии в 1907 году и названной картиной года.
Замысел полотна вырос из небольшого эскиза, выполненного Коупером еще в годы обучения в Школе искусств. На нем художник изобразил средневековое светское общество, внимающее пению бродячего трубадура. Эдуард Онслоу-Форд, член Академии и замечательный скульптор, увидев эскиз, дал ему столь высокую оценку, что юноша решил когда-нибудь сделать из него полноценную картину.
Пять лет спустя в одной из церквей Глостершира Коупер увидел великолепный витраж XV столетия и, вспомнив о своем эскизе, решил использовать его в качестве фона для своего полотна. В ходе работы слушавшие трубадура светские персонажи превратились в монахинь, а сам исполнитель любовной песни – в Дьявола. Это придало композиции остроту и многозначность.
В 1899 году Коупер дебютировал на выставке Королевской Академии, где впоследствие регулярно выставлялся в течение более полувека – последний раз художник экспонировал свои работы в 1957 году. В 1907 году он был принят в члены Академии, а в 1934 избран академиком, представив в качестве дипломной работы картину «Тщеславие» (1907), по мнению многих являющуюся лучшей в его творчестве.
Хронологически к этому полотну примыкают еще два:
«Молли, герцогиня Нона» (1905),«Марианна на юге» (1906).Эти три произведения являются вершинными достижениями Коупера в жанре портрета-образа, изображения «роковых женщин», мастерами которых были Россетти и Сэндис.
В 1910 году Коупер получил большой заказ на роспись Палаты Общин на тему «Эразм и Томас Мор посещают детей Генриха VII в Гринвиче».
Эта масштабная работа выделяется обилием и достоверностью деталей, ясностью форм и силуэтов, а также четким построением композиции по планам.
В поздний период творчества Коупер писал в основном жанровые полотна на сюжеты легенд и литературных произведений. Героями его картин стали рыцари и прекрасные дамы, погружающие зрителя в атмосферу утонченной роскоши.
Таковы же и последние портреты художника, написанные с изысканной приятностью. Однако по сравнению с работами начала века они более манерны и в какой-то степени слащавы, что дало одному из критиков основание сравнить их с изображениями на конфетных коробках.
На протяжении своей долгой творческой жизни художник вел активную выставочную деятельность. Кроме регулярного участия в выставках Королевской Академии он экспонировал свои полотна в лондонском Королевском обществе акварелистов, парижском Салоне, а также в Рим и Венеции.
В 1944 году Коупер переселился в Глостершир, где и провел остаток дней.
Умер художник в Сиренчестере 20 ноября 1958 года.

Энтони Фредерик Огастес Сэндис картины

2009-12-31T07:22:00.000-08:00

Валькирия

Пердита

Миранда

Королева Алиенора

Мария Магдалина

Красная шапочка

Лавровый венок

Кассандра

Медея

Моргана ле Фэй

Тень Любви

Елена Троянская

Вивиен

Прекрасная Изольда

Ориана

Энтони Фредерик Огастес Сэндис биография

2009-12-25T20:01:00.000-08:00

Энтони Фредерик Огастес Сэндис родился в 1832 году в Норвиче в семье художника. Первоначально его фамилия была «Сэндс», но в последствии он изменил ее, добавив одну букву для «благозвучия».
С 1846 года Сэндис посещал норвичскую Школу рисунка. В начале 1850-х годов перебрался в Лондон, оставив в Норвиче свою первую жену.
В 1857 году двадцатипятилетний художник обратил на себя внимание карикатурой «Кошмар» на картину Миллеса «Грезы былого», в которой высмеял прерафаэлитов.Тем не менее прерафаэлиты не обиделись на выходку молодого художника и ввели его в свой круг. В 1860-х годах Сэндис даже продолжительное время жил в лондонском доме Россетти на Чейни-роу.
Несмотря на то, что Сэндис не был членом Братства, его живописная манера демонстрирует черты несомненного влияния живописи прерафаэлитов. Художник принял их эстетику и разделял их идеалы, восхищаясь очарованием средневековых легенд.
Он унаследовал от Россетти образ «роковой женщины», посвятив большую часть своих работ изображению женской красоты. Его музами были цыганка Кеоми и актриса Мэри Джонс, которая слыла одной из первых лондонских красавиц.
Сэндис стал выдающимся мастером портрета. Особенно же он преуспел в жанре портрета-образа. Этот факт наглядно подтверждает полотно «Ориана» (1861), написанное на сюжет поэмы Теннисона «Баллада Орианы».
Среди других полотен такого жанра также можно назвать картины «Прекрасная Изольда» (1862),«Вивиен» (1863),«Елена Троянская» (1867)
Особое место в творчестве Сэндиса занимает его полотно «Тень Любви» (1867). Картина была начата художником в то время, когда он жил в доме Россетти на Чейни-роу.
Впоследствии это дало Россетти возможность обвинить Сэндиса в плагиате, что значительно ослабило их симпатию друг к другу.
Моделью стала актриса Эмма Мэри Джонс, чей сценический псевдоним был мисс Клайв. Став возлюбленной художника, а впоследствии и женой, Мэри родила ему девятерых детей.
«Тень Любви» - одно из самых замечательных полотен, посвященных теме ревности. Красивое лицо модели искажено нешуточными страстями, а взгляд темных, почти черных глаз не сулит сопернице ничего хорошего. Охваченная своими чувствами девушка непроизвольно и злобно терзает зубками букетик цветов, который держит в руке.
Энергичная живописная манера Сэндиса и точно найденный жест позволили ему создать картину, действующую на зрителя магнетически.
Впоследствии Сэндис еще не раз писал свою жену. По большей части это были прекрасно выполненные пастельные портреты, на которых Мэри предстает милой, спокойной женщиной, воплощенной добродетели.
Лишь внимательный зритель может увидеть сходство между ней и ревнивицей «Тени Любви».
1860- е годы были отмечены обращением художника к сюжетной мифологической картине. Первой его значительной работой в этой области стала картина «Моргана ле Фэй» (1864).
Согласно древнеанглийской легенде, Моргана ле Фэй, единокровная сестра короля Артура, являлась опытной волшебницей. Художник избрал для полотна сцену с моментом колдовства. Фигура Морганы дана в энергичном повороте , ее губы шепчут заклинания, в то время как руки нагоняют чары на волшебный плащ, сотканный на погибель королеве Гвинивере. Картина явилась своеобразным прообразом «Тени Любви», написанной три года спустя.
Картина Сэндиса «Медея (1866-1868) продолжает тему, поднятую художником в «Моргане ле Фэй». Согласно древнегреческому мифу, Медея знала тайны колдовства. Отвергнутая своим возлюбленным героем Ясоном, она послала в дар его новой избраннице волшебный плащ, который занялся огнем, едва та надела его.
Художник изобразил Медею в момент приготовления колдовской пряжи, из которой должен быть соткан плащ.
Картина изобилует красноречивыми деталями и подробностями. На столе разложены корни, травы и волшебные амулеты. Огонь в жаровне указывает на участь жертвы, а красная нить, обмотанная вокруг жаровни, знаменует кровь жертвы. Столь же красные нити бус на шее волшебницы как будто бы душат ее, о чем говорит движение правой руки Медеи, в то время как левая выливает в огонь остатки колдовского зелья.
В 1869 году Сэндис представил картину на выставку Королевской Академии, но получил отказ. Возможно, это стало причиной того, что художник прекратил писать картины маслом, а обратился к более легким графическим техникам, работая для конкретных заказчиков.
Сэндис стал одним из самых блистательных рисовальщиков круга прерафаэлитов. Он одинаково блестяще владел самыми различными графическими техниками от пастели и акварели до цветных карандашей, которыми творил чудеса.
Среди постоянных моделей художника были членные его семьи – жена Мэри и дочь Гертруда, которая позировала ему для работ

«Лавровый венок» (1902),«Красная шапочка» (1903)
Герли, как звали ее в домашнем кругу, впоследствии вышла замуж за Лайонела Крейна, старшего сына известного художника Уолтера Крейна.
Сэндис был также великолепным иллюстратором. Его репутация книжного графика в 1860-е была очень высока, несмотря на то, что он выполнил всего 25 иллюстраций. Наряду с Миллесом и Фредериком Уолтером, Сэндис считается художником, внесшим наиболее существенный вклад в возрождении книжной иллюстрации.
Сэндис отличался легким беспечным характером, предпочитая вести богемный образ жизни. Он питал особую слабость к выпивке и женщинам, абсолютно не умел экономить, и поэтому постоянно находился в долгах, к которым относился с легкой беспечностью. Так на предложение друзей собрать для него сумму в 500 фунтов, чтобы помочь ему эмигрировать, он отвечал, что если бы у него были такие деньги, он мог прекрасно жить на них и в Англии.
Художник умер в Кенсингтоне 25 июня 1904 года в возрасте 72 лет.

Картины Джона Мельюша Страдуика

2009-12-13T19:21:00.000-08:00

Когда горе омрачает солнечный свет, розы цветут напрасно

The music faintly falling, dies away

Мадонна и дитя среди ангелов

Святая Цецилия

Oh Swallow, Swallow

Моя возлюбленная спустилась в сад

Любовь и время

Изабелла и горшок базилика

В Золотые Дни

Опавшие листья

Вечерня

Элейн

Кирка и Сцилла

Ангел

Акразия

Симфония

Золотая нить (К сожалению, только нижняя деталь картины)

Тристан и Изольда

Оплот Божьего Дома

Когда яблоки были золотыми, а песни прекрасными

Нежная музыка прошлого

Аполлон и Марсий

Репин Илья Ефимович

2009-12-04T13:29:00.000-08:00

* Илья Ефимович Репин родился 5 августа (24 июля) 1844 года в Чугуеве (Харьковская губерния).
* Отец Репина, Ефим Васильевич, был военным поселенцем, занимался торговлей.
* 1854 – 1857 год – Илья Репин обучается в школе военных топографов. Здесь будущий художник получает первые навыки рисования.
* 1857 год – поступление в ученики к иконописцу И.М. Бунакову.
* 1859 год – Репин уже умеет достаточно, чтобы самостоятельно исполнять заказы на иконы и церковные росписи.
* 1863 год – переезд в Петербург, поступление в Рисовальную школу при Бирже.
* 1864 год – начало обучения в Академии художеств.
* 1865 год – в Петербурге возникает Артель Крамского. Репин становится ее активным участником.
* 1869 год – написана картина «Иов и его друзья», за которую автор получает малую золотую медаль.
* 1871 год – Илья Репин заканчивает Академию художеств. Пишет «Воскрешение дочери Иаира», за которую удостоен большой золотой медали.
* 1870 год – путешествие по Волге.
* 1870 – 1873 годы – работа над картиной «Бурлаки на Волге» (Русский музей, Санкт-Петербург). Работа производит огромное впечатление и на зрителей, и на критику. После ее появления Илья Репин становится широко известным художником.
* 11 февраля 1872 года – Репин женится на Вере Алексеевне Шевцовой.
* Ноябрь этого же года – рождение дочери Веры.
* 1873 – 1876 годы – путешествие с семьей в Австрию и Италию, затем во Францию. Репин много работает, пишет этюды, картины «Парижское кафе», «Садко».
* 1874 год – рождение дочери Нади.
* 1876 год – вернувшись в Россию, художник вступает в Товарищество передвижных выставок, и уже через несколько лет становится ведущим передвижником.
* 1877 год – Репин ненадолго возвращается в родной Чугуев.
* Этот же год – на свет появляется третий ребенок Ильи Ефимовича, Юрий.
* 1878 – 1891 годы – работа над картиной «Запорожцы пишут письмо турецкому султану» (Русский музей, Санкт-Петербург).
* 1879 год – рождение третьей дочери Татьяны.
* 1883 год – написан «Крестный ход в Курской губернии». Год спустя – «Не ждали».
* 1885 год – появляется «Иван Грозный и сын его Иван» (Третьяковская галерея, Москва).
* 1887 год – написан портрет Льва Толстого. Всего Илья Ефимович Репин создал более трехсот портретов.
* 1890-е годы – у Репина творческий кризис, он временно порывает отношения с передвижниками.
* 1893 год – Илья Репин становится действительным членом Петербургской Академии художеств.
* 1894 – 1907 годы – в Академии художеств Репин числится профессором-руководителем мастерской.
* 1898 – 1899 годы – ректорство в Академии Художеств.
* Семейная жизнь супругов Репиных оставляет желать лучшего, они постоянно ссорятся, сходятся и расходятся, при этом младшие дети, как правило, остаются с матерью, а старшие – с отцом.
* 1900 год – на Всемирной художественной выставке в Париже Илья Ефимович знакомится с писательницей Натальей Борисовной Нордман, известной под псевдонимом Наталии Северовой. Между ними завязываются отношения, несмотря на то, что Нордман младше Репина на 19 лет.
* Этот же год – окончательный разрыв с женой. Вместе с Нордман художник переезжает в Куоккалу (тогда поселок располагался на территории Финляндии, сейчас это Ленинградская область, поселок переименован в Репино). Поселяется в имении «Пенаты».
* На протяжении многих лет в «Пенаты» съезжаются знаменитые деятели искусства. Среди них В. Серов, М. Горький, К.И. Чуковский.
* 1901 год – художник Илья Репин получает настоящий государственный заказ: изобразить на холсте торжественное заседание Государственного Совета в день его столетия. Два года Репин работает над полотном, размер которого составляет 35 кв.м. Ему помогают художники Б.М. Кустодиев и И.С. Куликов. К этой работе только эскизов-портретов написано около пятидесяти. Так появилась картина «Торжественное заседание Государственного Совета 7 мая 1901 года».
* 1904 год – избрание почетным членом Московского литературно-художественного общества.
* 1907 год – Илья Ефимович публикует серию статей против смертной казни.
* Этот же год – в Белграде художник избран членом-корреспондентом Сербской академии наук и искусств.
* 1910 год – Репин пишет и издает статьи, в которых критикует новейшее искусство («Салон Издебского», «В аду Пифона»).
* 1914 год – избрание почетным членом Финляндского общества художников.
* Этот же год – Наталья Нордман умирает от чахотки на лечении в Швейцарии.
* 1917 год – после Революции имение «Пенаты» оказалось за границей России и отошло к Финляндии. Репин испытывает двойственные чувства по поводу возвращения на родину: с одной стороны, он мечтает вернуться, с другой – не хочет жить в стране, где правят большевики.
* В конце жизни Репин издает ряд очерков, составившие его мемуары «Далекое близкое».
* 29 сентября 1930 года – Илья Ефимович Репин умирает. Похоронен в Куоккале.

Джон Мельюш Страдуик биография

2009-11-28T19:15:00.000-08:00

Джон Мельюш Страдуик родился в 1849 году в Лондоне. Он учился в художественной школе Южного Кенсингтона, а также в Школе искусстве при Королевской Академии. По окончании учебы работал ассистентом в мастерской Стэнхоупа, а в течение 187-х годов был учеником и последователем Берн-Джонса, утвердившего его на позициях прерафаэлитизма.
Страдуик со своей женой Гарриет Рид и единственной дочерью жил в лондонском районе Хаммерсмит, недалеко от Берн-Джонса и Томаса Мэтьюса Рука, другог ассистента мэтра.
В 1876 году Страдуих дебютировал на выставке Королевской Академии со своей картиной «Песня без слов» [К сожалению, репродукцию картины найти не удалось]. Начиная со следующего года, он стал регулярно выставляться в галере Гросвенор, а чуть позднее – в Новой галерее.
Художник имел богатых покровителей из числа ливерпульских судовладельцев, в частотности Уильяма Имри и Джорджа Холта, который особенно охотно заказывал ему работы.
Все творчество Страдуика развивалось под заметным влиянием Берн-Джонса. Налицо не только стилистическое сходство, но и общность типажей, а также сюжетов, среди которых преобладают аллегорико-мифологические сцены с характерной метафорической иносказательностью. В них ощущается дух ренессансной эстетики, унаследованной, вероятно, у Стэнхоупа, поскольку сам художник никогда не был в Италии.
Работам Страдуика свойственна богатая, насыщенная цветовая палитра и обилие мелких деталей, в чем его постоянно упрекали критики. Художник работал чрезвычайно медленно, нередко возвращаясь вновь и вновь к уже написанным полотнам и внося поправки.
Многие картины Страдуика посвящены тему музыки. Блестящими примерами такого рода композиций является его раннее полотно «Аполлон и Марсий» (1879), а также более поздние «Нежная музыка прошлого» (1890),«Когда яблоки были золотыми, а песни прекрасными»(ок. 1906).
В 1890 году Джордж Холт заказал Страдуику большое многофигурное полотно «Чертог Любви», ставшее программным в творчестве художника. Работа над картиной продвигалась медленно. Только к октябрю 1891 года Страдуик завершил работу над эскизами и приступил непосредственно к холсту. В апреле 1893 года несколько незавершенном виде картина была представлена публике. И лишь в ноябре Холт получил наконец свой долгожданный заказ.
«Чертог Любви» - сложное по композиции полотно. В центре картины на роне восседает сама Любовь в облике ангела с распростертыми алыми крыльями в окружении Амуров. У подножия лестницы, ведущей к престолу, художник поместил фигуры трех Парок в темных одеждах, они распоряжаются нитями Судьбы.
Слева и справа от центра Страдуик написал аллегорические фигуры девушек, слушающих Музыку Любви, читающих Книгу Любви, наблюдающих Парение Любви, которое художник изобразил в виде переливающихся мыльных пузырей, и Крушение любви – безутешная фигура девушки, оплакивающей лопнувший мыльный пузырь. Один Амур утешает ее, другие помогают остальным девушкам постигать красоту и гармонию Любви.
На заднем плане картины позади колоннады храма Страдуик изобразил конных рыцарей. Все они, кроме всадника на белой лошади, смотрящего впереди себя, – любовь не для него – заглядывают в окна чертога.
Как и многие работы Страдуика, «Чертог Любви» переполнен деталями и производит впечатление некоторой вымученности. Подобное же ощущение чрезмерной насыщенности возникает при взгляде на полотно «Оплот Божьего Дома» (1890-е) – настолько тщательно и скрупулезно художник изобразил, буквально пересчитав их, все перья на крыльях ангелов, встречающих души умерших у Райских врат.
Примечательностью картины является то, что на своем полотне художник представил ангелов и святых женщинами, а единственная мужская фигура в центре – бывший земной житель, ожидающий своей участи.
В 1909 году Страдуик в последний раз показал свои картины в Новой галерее. Подобно многим художникам его поколения, ему было суждено увидеть закат собственной популярности. Победное шествие модернизма вытеснило Страдуика и ему подобных на перефирию художественной жизни.
Последние три десятилетия Страдуик почти не выставлялся и умер в Лондоне в 1937 году.

Картины Джона Бретта

2009-11-22T18:59:00.000-08:00

These Yellow Sands

Eynesford

Summer Mists At Tol Pedn

Springtime Near Morden

Pointe St Hospice, Cap Ferrat, From St Jean

Mewslade

Coast Scene With Calm Sea

Bristol Channel From The Welsh Coast

Arran

A View Of Whitby From The Moors

A Coastal Landscape

Дробильщик камней

Биография Джона Бретта

2009-11-14T18:54:00.000-08:00

Джон Бретт родился в семье ветеринара в Суррее в 1831 году. Учился в школе искусств при Королевской Академии в Лондоне. Однако решающее влияние на формирование его художественного мировоззрения оказала живопись прерафаэлитов (в 1853 году он познакомился с Холманом Хантом) и идеи Джона Рескина. Последующая дружба с пейзажистом Джоном Вильямом Инчболдом, работами которого Бретт восхищался, привнесла в работы художника элемент натурализма в изображении деталей.
В 1856 году Бретт впервые принял участие в выставке Королевской Академии, представив полотно «Ледник Розенлау». Эта картина, а также последовавшая за ней работа «Дробильщик камней», (1858) упрочили репутацию художника и удостоились множества лестных слов со сторон Рескина, ставшего также большим другом Бретта.
В ней выразилось стремление близкого к кругу прерафаэлитов художника говорить иносказаниями, придавать полотну характер поучения. Ее можно рассматривать как своего рода парафраз мифа о Потерянном Рае или размышление о неумолимости Времени.
Большое значение имеют детали. Так, например, старое дерево за спиной мальчика олицетворяет его будущее, а сидящий на дереве снегирь – свободу духа. Сам изображенный на картине мальчик не выглядит нищим. Он хорошо одет, а общая мажорная атмосфера солнечного дня настраивает зрителя на позитивный лад.
Брет жил в Лондоне в доме на улице Харли. Позднее перебрался в особняк, построенный по собственному проекту. Также художник являлся членом Королевского Астрономического общества и даже установил в своем доме телескоп для изучения звездного неба. В поздний период его творчество полностью сконцентрировалось на изображении прибрежных морских пейзажей.
Умер Джон Бретт в Лондоне в 1902 году.

Перов Василий Григорьевич

2009-11-07T13:28:00.000-08:00

* Василий Григорьевич Перов родился 21 декабря (2 января) 1833 года в Тобольске.
* Василий был незаконным сыном барона Г.К. Криденнера, местного прокурора. Фамилию «Перов» будущий великий художник получил от дьячка, обучавшего мальчика грамоте.
* Начальное образование Василий Перов получил в Арзамасском уездном училище.
* 1846 – 1849 годы – учеба в художественной школе А.В. Ступина в Арзамасе. Будучи учеником школы, Перов пишет картину «Распятие», помещенную тогда же в одной из церквей Арзамасского уезда.
* 1853 – 1861 годы – Перов студент Московского училища живописи, ваяния и зодчества.
* 1856 год – Перов получает в награду малую серебряную медаль за этюд головы мальчика, представленный в Императорской академии художеств.
* 1858 год – художник удостоен большой серебряной медали за картину «Приезд станового на следствие».
* 1860 год – Перов получает малую золотую медаль за свои картины «Сцена на могиле» и «Сын дьячка, произведенный в первый чин».
* 1861 год – очередная награда Василия Григорьевича (большая золотая медаль) за полотно «Проповедь в селе».
* Перечисленные картины художника, а также «Чаепитие в Мытищах» выставляются в Москве и Петербурге. Автор получает известность и репутацию жанриста-сатирика.
* 1862 год – вместе в большой золотой медалью Перов получил право выезда за границу за счет государства для обучения, которым воспользовался, чтобы посетить культурные центры Германии и провести больше года в Париже. Во Франции были написаны «Савояр», «Продавец статуэток», «Шарманщик» и др.
* 1864 год – прервав командировку, Перов возвращается в Россию. Художник признается, что в Париже он всего лишь иностранец, фиксирующий разнообразные сценки из жизни французской столицы. Василий Григорьевич хочет работать на родине, где ему понятен каждый выписываемый им образ.
* 1865 – 1871 годы – период отмечен как расцвет творчества Перова. Он пишет «Очередные у фонтана», «Тройка», «Приезд гувернантки в купеческий дом», «Проводы покойника» и др. Со временем Перов оказывается во главе русских художников-жанристов, лидером формирующегося в живописи идейного реализма. За «Проводы покойника» критика назвала Василия Григорьевича «отцом русского жанра».
* 1866 год – Перов становится академиком. Звание было получено им за картины «Тройка» и «Приезд гувернантки в купеческий дом».
* 1870 год – Василий Григорьевич получает звание профессора за полотно «Птицелов».
* 1871 – 1882 годы – Перов преподает в Московском училище живописи, ваяния и зодчества. Примерно в это же время участвует в Товариществе передвижных художественных выставок, одним из основателей которого является.
* 1870-е годы – в творчестве Перова преобладает мифологическая и историческая тематика («Христос в Гефсиманском саду», «Суд Пугачева»и др.). Однако это направление творчества художника было признано неудачным. Также в это время Василий Григорьевич обращается к портретам (В.И. Даль, А.Н. Островский, Ф.М. Достоевский и др.).
* 1875 год – в последние годы жизни Перов пробует себя и как писатель. В журнале «Пчела» за указанный год, а также в «Художественном журнале» за 1881 – 1882 годы были напечатаны воспоминания и несколько рассказов.
* 29 мая (10 июня) 1882 года – Василий Григорьевич Перов умирает от чахотки в подмосковном (в то время) селе Кузьминки.

Эдвард Коули Берн-Джонс картины

2009-10-30T16:00:00.000-07:00

Портрет Джорджианы

Джорджиана с Филиппом и Маргарет

Клара фон Борк

Сидония фон Борк

Прекрасная Розамунда и королева Алиенора

Милосердный рыцарь

Филлида и Демофонт

Зеркало Венеры

Лес шиповника

Комната совещаний

Сад во дворе

Беседка Розы. (Спящая красавица)

Портрет Маргарет

Портрет Марии Замбако

Король Кефетуа и девушка-нищенка

Видение Святого Грааля

Глубины Моря

Биография Эдварда Коули Берн-Джонса

2009-10-22T13:53:00.000-07:00

Эдвард Коули Берн-Джонс родился 28 августа 1833 года в Бирмингеме в скромной семье рамочника-золотильщика. Мать художника умерла спустя неделю после рождения сына, и это наложило отпечаток на его взаимоотношения с отцом, который первое время не мог видеть младенца, считая его причиной смерти любимой жены.
С раннего детва мальчик жил в мире собственных грез и фантазий, скрываясь в нем от равнодушия окружающих и скуки провинциальной жизни. Первые двадцать лет жизни Берн-Джонса прошли в Бирмингеме, а самыми яркими впечатлениями стали торжества по случаю коронации королевы Виктории 20 июня 1837 года. В возрасте одиннадцати лет Эдвард был принят в школу короля Эдуарда VI. Согласно архивам школы, он был одним из первых учеников и выиграл много призов, особенно по математике. Юноша также проявил талант к рисованию, делая многочисленные карикатуры на преподавателей. С 1848 года он посещал вечерние курсы в государственной школе рисунка.
В 1853 году Берн-Джонс поступил в Эксетер-колледж Оксфорда, одного из старейших университетских городов Англии, где изучал теологию, намереваясь в дальнейшем стать священником. В стенах колледжа он познакомился с Уильямом Моррисом, ставшего на долгие годы его другом и единомышленником. Молодых людей связала общая любовь к искусству и увлечение Средневековьем, в котором они видели источник творческого вдохновения.
Из статей критика Джона Рескина друзья узнали о существовании Братства Прерафаэлитов, идеи которых были созвучны их собственным взглядам на искусство. А после того, как они увидели акварель Россетти «Данте, рисующий ангела» (1853), прерафаэлиты стали для них художественным идеалом, а сам Данте Габриэль Россетти – кумиром. Моррис и Берн-Джонс приняли решение отказаться от богословия ради живописи – отныне искусство стало их единственной религией.
В 1855 году молодые люди, так и не получив ученую степень, оставили Оксфорд, чтобы всецело посвятить себя искусству. Они переехали в Лондон и сняли небольшую комнату на двоих, все свободное время занятиям искусством. Пройдет совсем немного времени, и они возглавят движение прерафаэлитов второй волны, отличительной чертой которого отныне станут увлечение стариной и утверждение художника как мастера-универсала.
В начале 1856 года Берн-Джонс лично познакомился с Россетти, который в то время лично преподавал в Рабочем колледже, и стал ассистентом в его мастерской.
С ноября 1856 года Берн-Джонс и Моррис снимали комнату на Ред-Лайон-Сквер, 17, в которой некогда жили Россетти и Деверелл. Приблизительно в это же время Эдвард, прежде известный друзьям как просто Джонс, добавил к своей фамилии приставку «Берн», даба придать ей индивидуальность. Слишком уж распространенной была фамилия.
Художник свел личные знакомства с Рескином и Хантом, благосклонно отнесшимся к его ранним опытам. В следующем году он вошел в группу художников, работавших под руководством Россетти над проектом большой стенной росписи холла оксфордского Зала Союзов сценами из жизни короля Артура. В работе над росписью также принимали участие Моррис, Хьюз, Стэнхоуп, Принсеп и Поллен.
Если не считать уроков у Россетти, Берн-Джонс не получил практически никакого художественного образования, добившись всего в искусстве своим невероятным упорством. Его многочисленные работы, выполненные чернилами или акварелью, проработаны с исключительной тщательностью и представляют собой сочиненные композиции на литературные и романтические сюжеты. К этому периоду относится картина Берн-Джонса «Русалка (1857) [ К моему глубочайшему сожалению, репродукцию этой работы я пока не нашла, так что буду благодарна за помощь ], выполненная акварелью с добавлением гуаши – любимая техника художника, позволявшая ему добиваться свежести и глубины цвета. Ее стилистика указывает на увлечение Россетти, в мастерской которого он проводил несколько дней в неделю, стремясь постигнуть все премудрости своего учителя.
Влияние творчества Россетти на искусство Берн-Джонса неоспоримо. Оно проявилось и в типах лиц персонажей, и в декоративности и прихотливости рисунка. Как и его учитель, художник стремился к эстетизации действительности, однако самым большим его пристрастием всегда оставалось классическое искусство, о чем красноречиво говорят холсты Берн-Джонса. Он пользовался покровительством Рескина, который приобщил его к таинствам живописи и архитектуры итальянского Возрождения. Берн-Джонс неоднократно копировал великих итальянских мастеров, чье влияние (особенно Микеланджело и Боттичелли) заметно во многих его работах.
В 1858 году Берн-Джонс стал членом Хогарт-клуба, куда, помимо него, вошли также крупнейшие представители движения прерафаэлитов – Россетти, Браун, Брет, Суинберн, а также – Рескин, Уоттс, Уэбб. Клуб просуществовал до 1861 года и занимался в частности организацией выставок, первой из которых стала экспозиция работ двадцатишестилетнего Берн-Джонса, открывшаяся в 1859 году. В том же году художник совершил свою первую из четырех продолжительных поездок в Италию.
9 июня 1869 года Эдвард Берн-Джонс женился на сестре своего старого школьного друга Джорджиане Макдональд.
Она была одной из сестре Макдональд, каждая из которых была по-своему знаменита. Ослепительная красавица Эгги был замужем за художником Эдвардом Пойнтером. Алиса, старшая из сестер, произвела на свет знаменитого писателя Редьярда Киплинга, который, таким образом, приходился Берн-Джонсу племянником. Луиза стала матерью британского премьер-министра Стенли Болдуина.
Супруги поселились на Грейт-Рассел-стрит в комнатах, освобожденных Генри Уоллисом. Они были постоянными гостьями Уильяма и Джейн Моррис в Красном Доме, который Берн-Джонс помогал декорировать.
Джорджиана стала идеальной хозяйкой дома и хранительницей очага. Она отличалась ровным и спокойным характером. Именно такая жена нужна была нервному, аскетичному художнику, предпочитавшему светским удовольствиям работу в мастерской до полного нервного истощения, неизменно происходящего после каждой большой работы. Джорджиана окружила Эдварда заботой, заменив ему мать, которую он никогда не знал, став его музой и помощницей в делах. В 1861 году она родила сына Филиппа, а пять лет спустя – дочь Маргарет.
В 1879 году, когда Берн-Джонс увлекся своей красавицей-ученицей Марией Замбако, их брак оказался под угрозой, и лишь терпение и такт Джорджианы позволили супругам сохранить семью.
Таланты Джорджианы были разнообразны. Она училась в Школе рисунка в Кенсингтоне и уже после замужества продолжала рисовать, делая иллюстрации к сказкам собственного сочинения. Позднее она обратилась к технике ксилографии, делая гравюры по рисункам мужа, что вызвало восхищение Рескина.
Джорджиана не была красавицей, но Берн-Джонс, часто писавший жену в своих картинах, предал ее чертам столько возвышенной чистоты и духовного благородства, что она, наряду с Лиззи Сиддал и Джейн Моррис, вошла в историю искусства как одна из муз прерафаэлитов.
Год вступления в брак стал поворотным в творческой карьере Берн-Джонса. В этот период он создал картины, позволяющие говорить о нем как о зрелом мастере. Речь идет о полотнах «Сидония фон Борк» (1860) и «Клара фон Борк» (1860), задуманных как парные. В обеих работах заметно влияние стиля Россетти, который в те годы был кумиром художника. Литературной основой для картина послужила новелла немецкого романтика Вильгельма Мейнхольда «Колдунья Сидония фон Борк», увидевшая свет на английском языке в 1847 году в переводе леди Уайльд, матери Оскара Уайльда.
Лицо Клары, моделью для которой стала Джорджиана, выражает невинность. Сюжет картины краснореречив и символичен. Клара фон Боhк держит в своих руках желторотых птенцов, оберегая их от происков кота своей кузины-колдуньи, вертящегося у нее под ногами.
В противоположность ей Сидония фон Борк, для которой, как считается, позировала любовница Россетти Фанни Корнфорт, олицетворяет хищное и злое начало. Исследователи отмечают некоторое сходство картины с профилем Изабелы д’Эсте, который художник мог видеть во дворце Хемптон-Корта. Зловещая угроза чувствуется в этой картине во всем – пластике фигуры, узоре платья, напоминающем сеть, мрачном колорите и даже в подписи, выведенной на бумаге в углу картины, возле которой художник изобразил большого черного паука.
Значительный интерес представляет не столько живописная манера, более свободная, чем в работах последующих лет, сколько, в первую очередь, композиционное построение полотен, глубокое пространство которых является опровержением утверждений некоторых критиков, считавших плоское построение более поздних работ признаком недостаточного умения, а не результатом тонкой и умелой стилизации.
К несомненным удачам раннего периода творчества относится и картина «Прекрасная Розамунда и королева Алиенора» (1862).
Полотна на этот сюжет писали многие прерафаэлиты – Россетти, Хьюз, Эвелин де Морган.
Берн-Джонс использовал популярную в викторианском искусстве тему супружеской измены, умело и оригинально расставив пластические и смысловые акценты. Розамунда, бывшая любовницей короля Генриха II, предстает перед зрителем в девственно-белом платье, тогда как королева одета во все черное, подобно злой колдунье. Изобразив Розамунду жертвой, художник, вопреки общепринятой морали, вызвал у викторианского зрителя чувства симпатии и сострадания к ней.
Картина написана акварелью, но обладает исключительной плотностью и глубиной цвета, характерными для масляной живописи. Известно, что Берн-Джонс в ранний период практически не писал маслом, поскольку страдал аллергией на этот вид красок.
В 1861 году в компании с Милессом и Брауном Берн-Джонс вновь совершил путешествие в Италию, а в 1862 году побывал там с Рескиным, внимательно и скрупулезно изучая живопись эпохи Возрождения, особенно Мантеньи, Боттичелли и Микеланджело. Под влиянием этих художников он в значительной степени изменил свою раннюю манеру, основанную на подражании Россетти, выработав свой собственный стиль, который был скорее умозрительным, чем эмоциональным. Его работы стали более жесткими. Отныне линия и контур доминируют в них над цветом, ставшим более локальным.
Любимыми темами художника были исполненные религиозного мистицизма средневековые легенды и сюжеты античных мифов, также трактованные в мистическом ключе. Основная художественная проблематика его полотен – герой как игрушка Судьбы, инструмент в руке Провидения. Статичность поз и плавная ритмика его холстов создает ощущение замедленности, зачарованности действия. Картины Берн-Джонса созерцательны и полны неземной отрешенности.
Обретя свой идеал в классическом искусстве, Берн-Джонс крайне нетерпимо относился ко всем новым веяниям в живописи. Скромный и замкнутый в жизни, художник отличался в вопросах искусства крайней категоричностью суждений. В частности, со свойственной ему прямолинейностью, он утверждал, что импрессионизм подарил миру лишь «пейзажи и шлюх». Кстати, Россетти также не понял и не принял импрессионистов.
Свое живописной кредо Берн-Джонс сформулировал так: «Я представляю картину как красивый романтический сон о том, чего никогда не было и никогда не будет; сон этот озарен неземным светом, в нем мы видим те земли, в которых никто и никогда не побывает и не постигнет их. Мое единственное стремление – сделать формы красивыми.
Такие художественные взгляды сделали Берн-Джонса одним из лидеров эстетизма, а впоследствии позволили причислить его творчество к символизму.
Движение прерафаэлитов второй волны, к которому примыкал Берн-Джонс, значительное влияние уделяло декоративно-прикладному искусству, противопоставив бездушным изделиям промышленного производства высокое качество вещей, сделанных вручную. Увлечение Средневековьем заставило прерафаэлитов изменить отношение к ремеслам, сделав их важнейшей составляющей искусства. В 1861 году, когда Моррис открыл в Лондоне фирму «Моррис, Маршалл, Фолкнер и Ко», занимавшуюся производством предметов декоративного искусства и домашней утвари (расписной мебели, витражей, керамики, обивочных тканей и т. п.), Берн-Джонс присоединился к другу, став одним из деятельных участников движения «Искусства и Ремесла».
Во многом именно на проектах и рисунках Берн-Джонса держалась деятельность фирмы, в которой он был разработчиком витражей фактически до конца своей жизни. Сохранилось более тысячи цветных стекол, выполненных им.
Одной из последних работ художника в этой области является великолепный витраж собора Святого Филиппа в Бирмингеме.
В шпалерах и витражах он, как правило, выполнял человеческие фигуры, а Моррис – орнаменты. Здесь Берн-Джонс стремился к законченности и эмоциональности в трактовке лиц, несмотря на протесты Морриса, настаивавшего на усилении декоративного начала в такого рода вещах.
Работая как декоратор, Берн-Джонс не оставлял занятий живописью, в которой также в значительной мере проявилось декоративное начало - его картины выполнены с подчеркнутой линеарностью. При этом пространство в них решено весьма условно, что придает им сходство со шпалерами, а многочисленные детали (складки одежды, доспехи, элементы архитектуры, растительные мотивы) предназначены скорее для украшения.
В 1864 году Берн-Джонс был избран членом Общества английских акварелистов. Первой работой художника, показанной на одной из его выставок, стал «Милосердный рыцарь» (1863).
Сюжетной основой для картины послужила легенда одиннадцатого столетия в пересказе Кинельма Дигби. Ее герой – рыцарь по имени Джон Гуальберто, который впоследствии был канонизирован. Художник, по примеру многих прерафаэлитов, сопроводил картину надписью, объясняющей ее содержание: «О рыцаре, простившем своего врага, в то время как он мог его уничтожить, и как образ Христа поцеловал его в знак того, что его поступок угоден Богу». В «Милосердном рыцаре» нашли зримое отражение те идеалы прерафаэлитов, которые в этот период были наиболее близки душе художника – преклонение перед духом рыцарства, следование высоким нравственным принципам. Окончательный вариант картины, выполненный гуашью, отличался суровостью и аскетизмом как пластики, так и цвета, в то время как первые зарисовки исполнены чувственности и порыва, далеких от религиозной сдержанности.
Берн-Джонс участвовал в выставках Общества английских акварелистов вплоть до 1870 года, когда вокруг одной из его картин разразился скандал. Организаторы потребовали убрать из экспозиции акварель Берн-Джонса «Филлида и Демофонт» (1870), шокированные откровенной мужской наготой персонажа.
Подчеркнутый эротизм в трактовке древнегреческого мифа, по всей видимости, являлся отголоском его внебрачной связи с Марией Замбака, ученицей и натурщицей художника, который наделил ее чертами женский образ картины. В знак протеста против снятия картины Берн-Джонс покинул ряды Общества акварелистов, тем самым лишив себя возможности участвовать в его выставках.
Уже к середине 1860-х годов Берн-Джонс приобрел некоторую репутацию, позволившую ему занять твердое положение в мире искусства. Он стал успешным художников в среде богатых и образованных людей. Среди его постоянных меценатов были Фредерик Лейланд и Уильям Грэхам. Последний являлся одним из самых преданных почитателей Берн-Джонса. После смерти Грэхама его коллекция была продана на аукционе Кристи, а среди картин находился один из вариантов знаменитого «Зеркала Венеры».
Постоянно неудовлетворенный результатом Берн-Джонс нередко возвращался к работе над своими полотнами через много лет, поэтому весьма затруднительно проследить эволюцию его стиля. Робкий и не уверенный в себе художник выставлялся очень редко и поэтому был совершенно неизвестен широкой публике. Лишь в 1877 году под давлением друзей он показал семь работ на выставке в только что открытой художником-любителем Коутсом Линдсеем Галерее Гросвенор.
Одну из главных задач галереи Гросвенор ее организатор видел в том, что она предоставляла возможность художникам, обойденным вниманием Королевской Академии, показывать свои работы публике. Картины Берн-Джонса были замечены и получили высокую оценку. Известный английский романист Генри Джеймс писал он них: «Это культурное, высокоинтеллектуальное, эстетически утонченное искусство для тех, кто смотрит на мир не прямо – в его случайной реальности, а через отражение и изображение его в литературе, поэзии и культуре». Это высказывание красноречиво показывает, насколько далеко ушел Берн-Джонс в сторону вымысла и фантазии от первоначальной идеи прерафаэлитов, сформулированной Рескиным - «рисовать то, что видишь, то, что является реальным фактом».
Именно этот путь принес художнику признание сначала на родине, а потом и за ее пределами. В 1879 году на Всемирной выставке в Париже он вместе с Фредериком Лейтоном представлял живопись Англии. Довольно быстро Берн-Джонс обрел своими картинами значительное состояние. В 1880-е годы он был даже более востребован, чем исключительно популярные Миллес и Лейтон, считавшиеся самыми богатыми художниками того времени.
Конец 1870-х и 1880-е годы отмечены обращением Берн-Джонса к большим монументальным формам. Значительно возросли размеры его полотен, в этот период он все чаще обращается к живописи маслом. В то же время художник задумал и воплотил несколько живописных циклов, состоящих из картин, последовательно раскрывающих выбранную тему. Одним из первых таких циклов стала серия из четырех картин под общим названием «Шиповник», являющаяся блестящей интерпретацией сказки Шарля Перро «Cпящая красавица» и поэмы Теннисона «Греза», написанной на похожий сюжет.
В нем художник вновь обратился к эстетике обожаемого им Средневековья. Все четыре полотна выполнены на вытянутых горизонтальных холстах, совокупно образующих протяженное панно. Композиция «Шиповника» построена по принципу фриза – передний план образован из объятых сном и лежащих в самых разных ракурсах фигур. Мощную ритмическую поддержку им составляют густые заросли цветущего дикого шиповника, сплетающиеся вокруг спящих подобием причудливого орнамента. Для образа принцессы художнику позировала его дочь Маргарет.
Берн-Джонс всегда отличался исключительно основательностью в подходе к изображаемому предмету. Чтобы добиться большей достоверности в передаче растений, он попросил одного из друзей, имевшего загородный дом с садом, прислать ему самые тернистые ветви кустарника, и тщательно изучал их причудливую пластику. Во время работы над «Милосердным рыцарем» художник тщательно изучал собрание средневековых лат и вооружения из коллекции сыра Коутса Линдсея. Однако для «Шиповника, как и для цикла «Персей», он изобрел и создал собственную броню из картона и жести. Это придало его работам большую пластическую свободу и фантастическое вневременное звучание, что абсолютно соответствовало духу мифа.
Художник написал два варианта этого цикла. Авторские повторения были для Берн-Джонса, как и для многих других прерафаэлитов, обычной практикой. Один из них, работа над которым продолжалась в течение шести лет (1884-1890) был написан по заказу коллекционера Томаса Агню.
Вторым знаменитым циклом Берн-Джонса стал «Пигмалион и Образ», состоявших также из четырех картин, последовательно передающих содержание знаменитого античного мифа о любви скульптора к своему творению. Этот цикл также известен в двух вариантах, первый из которых (1867-1869) выполнен в более темных и резких тонах, в то время как второй (1875-1878), написанный маслом, отличается большей мягкостью, почти пастельностью цвета и тона.
Художник проследил все стадии развития сюжета: рождение замысла – «Сердечное желание».Однако миф в интерпретации художника обретает несколько иной, отличный от канонического смысл. Идеальная красота, созданная руками скульптора, волей Афродиты обрела телесность, но осталась столь же холодна. Это горький итог, который ждет каждого художника, стремящегося воплотить идеал в реальность. В то же время цикл отражает чувства и эмоции Берн-Джонса, переживавшего в те годы страстный роман со своей ученицей Марией Замбако и пребывавшего тогда в жестоком внутреннем конфликте между чувством и долгом.
«Пигмалион и Образ» как никакой другой цикл демонстрирует влияние на художника идеалов итальянского Возрождения, особенно Микеланджело. Порой художник прибегает к прямому цитированию: так, сцена чудесного оживления Галатеи в «Божественном одухотворении» движениями и жестами рук поразительно схожа с «Сотворением Адама» с потолка Сикстинской капеллы. Дополнительную остроту этому сходству придает и то, что и в том и в другом случае речь идет о сотворении человека. Берн-Джонс преклонялся перед гением Микеланджело и даже пошел на разрыв с Рескиным после того, как тот подверг критике великого скульптора. И это несмотря на то, что маститый критик был одно время кумиром художника. Превознося художественные и человеческие качества Рескина Берн-Джонс писал: «Он так прекрасен, так добр – лучше, чем его книги, которые сами по себе являются лучшими книгами в мире».
Второй вариант цикла «Пигмалион и Образ» был показан в 1879 году на выставке в Галерее Гросвенор и имел шумный успех. Публика восприняла его как выражение викторианского представления о возвышенной любви и об идеальной женщине – жене и матери, возводимой мужчиной на пьедестал.
Одной из самых известных картин Берн-Джонса стало полотно «Король Кефетуа и девушка-нищенка» (1884), принесшее художнику мировую славу.В основе его лежит средневековая легенда о доблестном короле, который, возвращаясь из похода, увидел и страстно полюбил девушку-нищенку, скромную и добродетельную. Публика хотела видеть в полотне лишь утверждение добродетели как высшего блага, достойного королевского вознаграждения. Она воспринималась как некое утешение для красивых женщин викторианской эпохи, посвятивших себя семье. Однако те, кто был знаком с легендой, согласно которой нищенка, хоть и стала королевой, так и осталась нищенкой, достойной презрения в глазах многочисленных придворных, могли увидеть нечто большее – печальное размышление о жестокости общества и торжестве сословных предрассудков. В 1889 году за эту картину, показанную на Всемирной выставке в Париже, художник был удостоен ордена Почетного легиона.
Пожалуй, самым знаменитым циклом Берн-Джонса является его «Персей, написанный на сюжет античного мифа. В 1875 году художник получил заказ от политика и будущего премьер-министра Великобритании Артура Бэлфора на десять картин, предназначенных для музыкального салона его лондонской резиденции. Несмотря на то, что в гуаши были выполнены все предварительные эскизы, лишь четыре из них получили окончательное воплощение в масле – «Персей и морские нимфы»? оно же "Вооружение Персея".
Работа над циклом затянулась надолго. Причиной тому был большой размер картин, сложные символические интерпретации сюжетов, избранных художником, и постоянное недовольство автора собственным результатом. В конце концов заказчик, уставший ждать завершения всего цикла, любезно принял те четыре панно, которые были выполнены.
Впоследствии художник сделал повторение повторения четырех законченных работ, в то время как эскизы так и остались эскизами. Картины цикла «Персей» приобрели огромную популярность и оказали огромное влияние на современное искусство, в дальнейшем во многом предопределив художественную проблематику символизма и модерна.
В 1882 году Берн-Джонс затеял серию небольших акварелей под общим названием «Книга цветов», над которой трудился на протяжении целого десятилетия.
Стремление Берн-Джонса к большой монументальной форме нашло отражение в активном сотрудничестве с фирмой его друга Морриса, где в 1880-е годы он был одним из главных дизайнеров. Конец десятилетия ознаменовался созданием первой крупной серии гобеленов на тему «Поклонения волхвов». Сохранилось огромное количество этюдов и эскизов к этой большой работе, свидетельствующих о том, насколько серьезно он подходил к любой форме художественного творчества.
Самым выдающимся достижением Берн-Джонса в области гобелена стал цикл работ о Святом Граале, предназначенный украсить столовую в Стейнмор-холле, загородной резиденции австралийского промышленника Уильяма Норси д’Арси.
Тема поисков Святого Грааля с юности волновала Берн-Джонса своей многозначностью, возвышенным и мистическим духом. Они считали ее самым красивым и законченным эпизодом артуровского цикла. Работа над серией гобеленов продолжалась несколько лет. Они были вытканы в Мертонском аббатстве в период с 1891 по 1894 год и стали, безусловно, одним из самых впечатляющих творений на эту тему.
Берн-Джонс также внес значительный вклад в деятельность другого предприятия Морриса – издательства «Кельмскотт Пресс», основанного в конце 1880-х годов. Его цель художники видели в возрождении древней традиции высокохудожественного книгоиздания. Настоящим шедевром книжного искусства стало издание «Кентерберийских рассказов» Чосера с иллюстрациями Берн-Джонса. Книга вышла в 1896 году за четыре мясяца до смерти Морриса.
В 1885 году Берн-Джонс был принят в Королевскую Академию, но атмосфера официоза, царившая в ней, была чужда художнику, и он подал в отставку. В ежегодных выставках Королевской Академии он принял участие лишь один раз, показав свое полотно «Глубины Моря» (1886).
В 1894 году, спустя год после отставки, Берн-Джонс был удостоен титула баронета, что немало удивило и позабавило его друзей, хорошо знавших характер художника и его отношение к официальному признанию.
В 1890-е годы здоровье Берн-Джонса, подорванное постоянной изнуряющей работой в мастерской, значительно пошатнулось. Сокрушительным ударом для него стала смерть Уильяма Морриса в 1896 году, ведь их дружба и сотрудничество продолжались почти полвека.
Эдвард Берн-Джонс скоропостижно скончался в своем доме в Западном Кенсингтоне (Лондон) 17 июня 1898 года и был похоронен в Роттингдине (Суссекс), где он имел загородный дом.
Репутация Берн-Джонса после смерти была неоднозначной. Одни критики упрекали его творчество в декадентстве, а его полотна – в чрезмерно тщательной проработке. Другие насмехались над его идеями рыцарства. Сам художник хотел, чтобы его картинами наслаждались, а не анализировали их.
Сегодня Берн-Джонс читается одним из виднейших представителей британской художественной школы, развивавшей эстетические принципы Братства прерафаэлитов. Его работы отличаются удивительной отточенностью образов и зрелостью стиля. Они соединяют в себе и чувственность, и внешние приличия, свойственные викторианской эпохе.
Его неземной красоты женщины, словно освещенные изнутри высшим духовным светом, пользовались у публики даже большим успехом, чем гораздо более чувственные образы, созданные Россетти. Берн-Джонс оказал заметное влияние на целый ряд современников художников младшего поколения, таких как Джон Мельюш Страдуик, Джон Роддэм Спенсер Стэнхоуп, Чарльз Фэйрфакс Мюррей и Эвелин де Морган. Особая роль в этом ряду принадлежит художнику Томасу Мэтьюсу Руку, на протяжении многих лет выполнявшего функцию ассистента в мастерской Берн-Джонса и принимавшему самое активное участие в создании крупнейших полотен и циклов мастера.
Самая представительная коллекция работ Берн-Джонса хранится в Городской галерее искусств его родного Бирменгема.

Уильям Холман Хант картины

2009-10-15T13:14:00.000-07:00

Автопортрет

Канун дня святой Агнессы

Риенци клянется отомстить за смерть своего младшего брата, убитого в схватке между кланами Орсини и Колонна

Новообращенная семья древних бриттов, спасающая миссионера от преследований друидов

Валентин, защищающий Сильвию от Протея

Нерадивый пастух

Светоч Мира

Наши английские берега

Козел отпущения

Портрет Генри Монка

Любезности продавца ламп: Уличная сцена в Каире

Иисус, найденный родителями в Храме

Портрет Фанни

Изабелла и горшок с базиликом

День Рождения. Портрет Эдит

Тень смерти

Триумф Невинных младенцев

Леди Шалотт

Чудо Священного огня

Леонардо да Винчи

2009-10-06T13:26:00.001-07:00

* Леонардо да Винчи родился 15 апреля 1452 года в городе Винчи, недалеко от Флоренции (Италия).
* Отец Леонардо, Пьеро Винчи, был нотариусом и довольно богатым человеком, имел титул мессэра и земли во владении. Всего Пьеро Винчи в своей жизни стал отцом двенадцати детей и как минимум четыре раза был женат.
* Мать да Винчи, Катарина, была крестьянкой. Многие биографы склоняются к версии, что будущий гений был незаконнорожденным. Во эпоху Возрождения положение незаконнорожденных детей мало чем отличалось от законных, так что Леонардо да Винчи был без каких-либо возражений признан отцом и отправлен с матерью в деревню. Оттуда его забрали в четырехлетнем возрасте, и воспитывался да Винчи уже в семье отца.
* Леонардо да Винчи получил домашнее начальное образование: научился читать, писать, овладел основами математики и латынью. Его манера письма представляет особый интерес. Да Винчи был левшой и предпочитал писать справа налево, в зеркальном отражении. Хотя при этом он спокойно мог писать традиционно.
* 1469 год – вместе с отцом Леонардо переселяется во Флоренцию. Возможно, Пьеро Винчи мечтал, чтобы сын унаследовал его профессию, но незаконнорожденный не мог тогда стать ни юристом, ни врачом. Была выбрана профессия художника – не самая уважаемая в то время.
* 1472 год – впервые в государственном документе встречается имя Леонардо до Винчи. Это была книга корпорации флорентийских художников.
* 1467 (1469) – 1476 годы – до Винчи учится и работает в боттеге Андреа дель Верроккио. Это был один из самых известных флорентийских художников того времени, занимавшийся также скульптурой, ювелирным делом и устройством праздников.
* 1470-е годы – Андреа дель Вероккио была заказана картина «Крещение Христа». Мастер допускал к своей работе учеников, они выписывали второстепенные фигуры и иногда работали над пейзажами. По легенде, кисти Леонардо до Винчи принадлежит лицо и, возможно, фигура левого из двух ангелов.
* 1472 год – Леонардо принят в гильдию живописцев.
* 1473 год – первая самостоятельная датированная работа Леонардо да Винчи. Это был пейзаж, набросок долины реки.
* 1474 год – написана картина «Благовещение».
* 1476 год – да Винчи и несколько его друзей арестованы по подозрению в содомии. Это был период расцвета инквизиции, и дело могло закончиться трагически, но среди друзей Леонардо был сын одного из вельмож Флоренции. Арестованные были отпущены.
* 1476 или 1478 годы – Леонардо да Винчи открыл собственную мастерскую во Флоренции.
* 1478 год – создана картина «Мадонна Бенуа». Хранится в Эрмитаже в Санкт-Петербурге, как и «Мадонна Литта», год написания которой не установлен.
* Этот же год – написан портрет Джиневры Деи Бичеи. Совместно с «Мадонной Бенуа» эта работа является завершением раннего периода творчества Леонардо да Винчи.
* 1482 – 1499 годы – Леонардо в Милане, служит военным инженером, архитектором, скульптором и живописцем у герцога Людовика Сфорца.
* Людовик Сфорца имел репутацию тирана, и в Италии его не любили, хотя и считались с ним. Но во Флоренции правили Медичи, которые за что-то невзлюбили да Винчи, поэтому он счел Сфорца более достойным покровителем для себя и покинул Флоренцию. Сначала художник занимался устройством праздников при дворе герцога, изобретал не только удивительные костюмы, но и механические «чудеса». Очень скоро Людовик Сфорца стал широко известен именно торжествами при своем дворе. Леонардо исполнял также обязанности гидротехника, инженера и художника, причем жалование получал очень маленькое – есть сведения, что даже придворный карлик Сфорца зарабатывал больше. Только через несколько лет да Винчи стал придворным архитектором и инженером. Все это время он занимался собственными научными и техническими проектами, но они не интересовали герцога.
* 1483 – 1494 годы – работа над первым вариантом «Мадонны в гроте».
* 1484 – 1485 годы – эпидемия чумы в Милане. Погибло более 50 тысяч человек. Да Винчи обратил внимание герцога на то, что причиной мора стало перенаселение города, теснота и царившая повсюду грязь. Ученый даже составил план нового города: состоявшего из 10 районов с населением не более 30 тысяч человек, с параметрами ширины улиц и канализационными системами в каждом районе. Сфорца отверг это предложение.
* 1484 год – да Винчи пишет «Даму с горностаем». Исследователи сходятся на том, что это портрет фаворитки Людовика Сфорца Цецилии Галлерани.
* В Милане Леонардо да Винчи (по приказу герцога) основал академию художеств.
* 1490 год – да Винчи берет под свое покровительство мальчика Джакомо Капротти, селит в своем доме и заботится о нем. Позже мальчик получил от Леонардо прозвище Салай (Демон). Впоследствии Капротти унаследовал многие работы да Винчи.
* 1494 – 1511 годы – работа над вторым вариантом «Мадонны в гроте».
* 1495 – 1497 годы – работа над «Тайной вечерей». Это также был заказ, полученный Леонардо да Винчи от Людовика Сфорца. Фреска «Тайная вечеря» была написана на стене трапезной доминиканского монастыря Санта Мария делле Грацие в Милане. Известно, что натурщика для изображения лица Иуды да Винчи искал по притонам среди преступников.
* 1499 год – Людовик Сфорцо изгнан из Милана французами. Да Винчи уезжает в Венецию. По дороге в Мантуе он участвует в строительстве оборонительных сооружений.
* Апрель 1500 года – да Винчи возвращается во Флоренцию.
* В этот период да Винчи активно занимается математикой, работает над теорией живописи, изучает многие интересовавшие его вопросы анатомии. Соперничая с Микеланджело, пишет для палаццо делла Синьория батальную композицию. Проявляет себя как скульптор, задумывая конный монумент, проект которого так и не был воплощен в жизнь.
* 1502 год – ученый служит у Черазе Борджиа. На этой должности много путешествует, бывает в Романье, Тоскане, Умбрии. Проектирует оборонительные сооружения (не были построены).
* 1503 год (не точная дата) – создана «Мона Лиза» («Джоконда»).
* 1503 – 1506 годы – Флоренция. Работа над фреской «Битва при Ангиари» в зале Большого совета дворца Синьории.
* 1506 – 1513 годы – Милан. Служба у французского наместника Шарля д'Амбуаз.
* 1507 год – поездка во Флоренцию.
* 1510 – 1513 годы – да Винчи работает над автопортретом.
* 1513 год – Леонардо до Винчи живет в Риме под покровительством Медичи.
* 1513 – 1517 годы – работа над картиной «Иоанн Креститель».
* 1516 год – да Винчи приглашен королем Франциском I во Францию на должность первого живописца, архитектора и механика короля. Однако, несмотря на работу над собственными проектами и планом королевского дворца, да Винчи в основном исполняет обязанности придворного мудреца и советника короля (свидетельство скульптора Бенвенуто Челлини).
* 2 мая 1519 года – Леонардо да Винчи умирает в замке Клу, Турень (Франция). Рукописное наследство гения было завещано ученику Франческо Мельци.

* Работы Леонардо да Винчи Архитектура: проект «идеального города» (см. 1484 год); проект двухуровневых городских дорог; проект центрально-купольного храма.
* Ботаника: описание законов филлотаксии, гелиотропизма и геотропизма; описание метода определения возраста растений по структуре стеблей, а деревьев – по годовым кольцам.
* Медицина: множество анатомических рисунков; изобретение метода анатомирования глаза; описание законов зрения; описание клапана правого желудочка сердца.
* Механика: проекты прокатных станков, металлургических печей, печатных, деревообрабатывающих машин, ткацких станков.
* Другие проекты: аналоги подводной лодки, танка, вертолета, парашюта, парового ружья, механического гриля, башмаков для хождения по воде и перчаток для плавания, переносных домов.

Эдвард Роберт Хьюз

2009-09-28T14:05:00.000-07:00

Эдвард Роберт Хьюз родился 5 ноября 1851 года в лондонском районе Кленкервелл. В семье выходцев из Уэльса он был единственным ребенком. По совету своего дяди художника Артура Хьюза, ставшего его первым наставником, Эдвард поступил в Школу искусств при Королевской Академии.
Увлекшись еще в годы ученичества живописью прерафаэлитов второй волны, особенно Эдварда Берн-Джонса, Хьюз стал членом группы молодых художников, подражавших ему. Кроме него в группу входили Роберт Бейтман, Уолтер Крейн и Эдвард Клиффорд.
Впоследствии Хьюз познакомился с самим Берн-Джонсом, а также с Холманом Хантом, ассистентом которого он был на протяжении многих лет. Уже став известным и зрелым художником и будучи человеком амбициозным, Хьюз помогал Ханту, начавшему к старости терять зрение, писать большие холсты последних лет.
При его непосредственном участии были созданы такие знаменитые работы, как вариант «Светоча мира» для Кафедрального собора Святого Павла и последний вариант картины «Леди Шалотт». Хьюз был близок к семье Ханта, писал портреты его детей. В 1910 году в некрологе на смерть Ханта, опубликованном в “Times”, именно Хьюза назвали “сыном Ханта в искусстве».
В 1870 году Эдвард Хьюз дебютировал на выставке Королевской Академии, где выставлялся регулярно вплоть до 1911 года. В 1891 году он стал членом Королевского общества акварелистов, а с 1901 по 1903 годы занимал должность его вице-президента.
«Дипломной» работой Хьюза стала акварель под странным названием «Ах, что это в гнезде…», изображавшая двух птиц, хлопочущих над телом мертвого юноши, голову и тело которого опутывает тернистый шиповник, что позволяет считать эту работу символистским парафразом знаменитого «Шиповника» Берн-Джонса.
Считается, что картина написана по мотивам стихотворения Кристины Россетти «Amor Mundi»:
В 1913 году художник перебрался из Лондона в Сент-Олбанс, где провел последние годы жизни.
Живопись Эдварда Хьюза получила высокую оценку за пределами Англии, в частности в Австрии и Германии. В 1895 году у него был большой успех на престижном Биеннале в Венеции.
Умер Роберт Эдвард Хьюз 23 апреля 1914 года в Сент-Олбансе.

Биография Уильяма Холмана Ханта

2009-09-20T11:17:00.000-07:00

Один из основателей Братства прерафаэлитов Уильям Холман Хант родился 2 апреля 1827 года в Чипсайде (Лондон) в небогатой семье кладовщика, отличавшегося пуританской строгостью. С детства настольной книгой Ханта стала Библия, за чтением которой он проводил многие часы. Изначально вторым именем художника было Хобман, но он заменил его на Холман.
Отец художника бы книгочеем и любил живопись. Он поощрял занятия сына искусством, но исключительно в качестве хобби, а не профессии. В возрасте двенадцати с половиной лет Ханта определили клерком в контору, поэтому он имел возможность обучаться живописи только в свободное время. Однако в шестнадцать лет Хант бросил работу в конторе и начал зарабатывать на жизнь копиями с чужих картин и недорогими портретами. В 1844 году после двух неудачных попыток Ханта наконец-то приняли с испытательным сроком в Школу искусств при Королевской Академии, где он познакомился с Миллесом.
Учась в Школе, Хант испытал сильное разочарование современным состоянием британского искусства, в котором ничто не поражала и не восхищала его. Тогда же он познакомился с трудом Рескина «Современные художники» и был полностью захвачен его идеями. Под влиянием идей Рескина Хант выработал свое представление о том, какой должна быть современная ему живопись. Он хотел привнесет в современное искусство дух проповедничества, морально-назидательный смысл, когда картина говорит больше, чем на ней изображено.
Хант полагал, что возрожденное искусство должно сопровождаться возвращением к утраченным религиозным и моральным идеалам, ставшим целью и главной составляющей работ художника. Он насыщал религиозными аллюзиями свои бытовые жанровые картины, вводя в сюжетную ткань множество деталей, позволяющих толковать их более широко, видеть в них не только современную историю, но и извлекать некий моральный урок.
В этом смысле Хант являлся в большей степени проповедником, чем живописцем. Поэтому друзья называли его «Великим священником прерафаэлитов».

Хант стремился участвовать в выставках Королевской Академии, поскольку это давало возможность продавать картины, получая за них деньги для существования. Его дебютом стала картина «Канун дня святой Агнессы» (1848), показанное на ежегодной летней выставке Академии.
Полотно, написанное на сюжет романтической поэмы Китса, произвело огромное впечатление на юного Данте Габриэля Россетти, оставившего мастерскую Форда Мэдокса Брауна, чтобы отныне учиться живописи у Ханта.
В августе 1848 года молодые люди сняли ателье на Кливленд-стрит возле Риджентс-парка. Вместе они совершили поездку в Бельгию и Францию, где изучали картины фламандских и немецких мастеров.
В сентябре 1848 года Хант со своими друзьями Миллесом и Россетти основал Братство прерафаэлитов. Сама идея создания тайного братства как такового несомненно принадлежала Россетти, но Хант привнес в нее программную основательность. Он был единственным среди членов группы, кто был знаком с «Современными художниками» Рескина, идеи которого легли в основу художественных принципов, ставших общими для Братства: подражание природе, верность внутреннему переживанию, дидактичность и назидательность, следование национальным традициям.
Надо сказать, что Хант был самым последовательным членом Братства и единственным, кто остался верен этим принципам до конца.
В 1849 году Хант показал на выставке Академии свою работу «Риенци клянется отомстить за смерть своего младшего брата, убитого в схватке между кланами Орсини и Колонна», написанную на сюжет модного романа Бульвер-Литтона, опубликованного в 1835 году.
Картина, висевшая рядом с полотном Миллеса «Лоренцо и Изабелла», была встречена благоприятно и заслужила ряд положительных отзывов критики. Ее появление приветствовал в своем обзоре Джон Рескин, отметивший как положительное качество картины написанный с натуры пейзаж.
Действительно, Хант использовал для него вид Хемпстедской пустоши, а фигуры персонажей вписывал уже в мастерской. Это стало отличительной особенностью стиля художника – более жесткая проработка фигур и их вырезанность заметна во многих картинах художника в разные периоды его творчества. Одним из принципов Братства также было то, что его члены сами позировали друг другу (в частности это объяснялось и нехваткой средств). Так для образа Риенци Ханту позировал Данте Габриэль Россетти, а его мертвого брата художник писал с Миллеса.
Картина «Риенци клянется отомстить за смерть своего младшего брата, убитого в схватке между кланами Орсини и Колонна» стала первой работой Ханта, на которой появились загадочные буквы PRB, но на это практически никто не обратил внимания. Критики и публика приняли полотно с одобрением, а некто Гиббон купил его с выставки за 105 фунтов.
В 1850 году Хант написал полотно «Новообращенная семья древних бриттов, спасающая миссионера от преследований друидов», больше известное как «Миссионер».
Картина Ханта полна христианских аллюзий и символов. Сама композиция напоминает иконографию «Снятия с креста», что придает картине возвышенный драматизм. Тернии, удаляемые одной из девушек с одеяния миссионера, и губка с водой в руках другой (для нее Ханту позировала Лиззи Сиддал) призваны напомнить о смертных муках Христа.
Священник держит руку в том месте, где копье стражника проникло в тело Христа. Его красный плащ – символ багряницы, в которой Христос взошел на Голгофу. Виноградная лоза, осеняющая крышу хижины, является символическим обозначением причащения, в то время как рыболовецкие сети, развешанные на стенах, красноречиво напоминают о христианах как о ловцах душ.
Картина появилась на той же выставке Королевской Академии, на которой была представлена и работа Миллеса «Христов в доме своих родителей», ставшей эпицентром скандала, связанного с разоблачением загадочной монограммы Братства прерафаэлитов. Но молодых художников обрушился шквал критики и насмешек.
В результате картина Ханта, выдвинутая на соискание Золотой медали выставки, была исключена из списка, а потенциальный покупатель отказался приобретать ее.
Однако именно скандал вокруг работ прерафаэлитов чудеснейшим образом изменил дальнейшую судьбу художников – за них вступился в печати сам знаменитый критик Джон Рескин, и это стало началом долгого и плодотворного сотрудничества. После того, как Хант лично познакомился с Рескиным, они стали большими друзьями.
Впоследствии критик регулярно оказывал художнику поддержку в печати и помогал советами. В своей книге «Искусство Англии» он уделил значительное внимание религиозной живописи Ханта, отмечая, что для художника истории из Нового завета стали тем же, чем они были для пуритан или католиков старых времен – не просто какой-то реальность, не просто великой из реальностей, а единственной реальностью.
Еще одним важным результатом той знаменательной выставки для Ханта стало знакомство с коллекционером Томасом Комбом, который впоследствии приобрел «Миссионера» за 150 фунтов. Комб был одним из первых, кто оценил достоинства живописи прерафаэлитов. Он и его супруга очень полюбили Ханта и всячески опекали его, стараясь заменить молодому человеку родителей.
В 1851 году Хант написал картину «Валентин, защищающий Сильвию от Протея» на сюжет пьесы Шекспира «Два веронца».
Женский образ художник писал с Лиззи Сиддал. Об этом полотне в своей статье в “Times” с большой похвалой отозвался Рескин, отметив, однако, неудачный выбор модели для главной героини. Тем не менее это полотно Ханта считается одним из самых ярких в творчестве ранних прерафаэлитов. Оно наглядно демонстрирует те принципы, которые лежали в основе Братства.
Хант писал фон картины на плэнере в сельской местности графства Суррей, стремясь достигнуть в нем игры света, которую можно получить только на открытом воздухе. В конечном счете картина имела успех у публики, получила Гран-при на Ливерпульской осенней выставке и была куплена за 200 фунтов, так необходимых художнику. В этот период Хант, доведенный до отчаяния хроническим безденежьем, всерьез думал о том, чтобы бросить живопись и эмигрировать, посвятив себя сельскому хозяйству.
Хант создал несколько картин на сюжет произведений Шекспира, который, по словам художника, поражал его способностью быть понятным людям всех сословий и социальных слоев – богатым и бедным, интеллектуалам и чернорабочим. С Шекспиром Хант ощущал особую близость, возможно потому, что сам, подобно великому драматургу, выстраивал свои полотна, стремился воспитывать зрителя, ждал от него непосредственной реакции.
В определенной степени к шекспировским можно отнести картину «Нерадивый пастух» (1851).
Ее сюжет перекликается с песней Эдгара о пастухе, пренебрегающим своим стадом, из «Короля Лира». Однако это не просто иллюстрация к шекспировскому тексту. Смысл картины, как это происходит всегда, когда речь идет о полотнах Ханта, значительно глубже. В работе над картиной художник вдохновлялся текстом десятой главы Евангелия от Иоанна, и пасторальная сцена, рассмотренная под этим углом, приобретает характер притчи.
Нерадивый пастух заигрывает с пастушкой, не обращая внимания на стало овец, за которым приставлен доглядывать. Оставленные без присмотра овцы разбрелись. Многие из них настолько тучны, что не могут подняться на ноги, в то время как некоторые уже приближаются к пшеничному полю.
Картина полна красноречивых деталей, выписанных с предельной тщательностью, что более чем характерно для полотен Ханта. Бочонок пива на поясе главного персонажа указывает на жажду удовольствий, перевешивающую чувство долга. Пастушка держит на коленях ягненка и кормит его зелеными яблоками, что на языке христианской символики может означать проповедь пастве незрелых идей.
Сам художник так писал о своей картине: «Она описывает пастуха, пренебрегающего своими обязанностями: он пользуется голосом не для того, чтобы окликать своих овец, а для своего удовольствия. Его образ указывает на пастырей, которые вместо того, чтобы служить своей пастве, предаются обсуждению вопросов, не имеющим ценности для человеческой души».
Как видим, Хант стремился вложить в картину еще один смысл, ускользающий от современного зрителя – символически отобразить английские дебаты по религиозным вопросам, который художник считал абсолютно бесплодными.
Пейзаж, написанный с натуры (Хант нашел его в местечке Ивелл в Суррее, где писал на плэнере вместе с Миллесом, работавшим над своей «Офелией»), яркий и солнечный колорит и назидательный сюжет картины обеспечил ей успех на выставке Королевской Академии 1851 года, сделав одной из самых популярных картин прерафаэлитов.
Ранние работы Ханта получили много недоброжелательных отзывов, порой несправедливых. Верный своим убеждениям художник принципиально не менял свою живописную манеру, оставшись верен ей до конца. В 1852 году Хант обратился в Королевскую Академию с ходатайством о вступлении в ее члены, но его кандидатура была отклонена 39 голосами против одного. Гордый художник больше никогда не обращался к Академии с подобной просьбой.
Склонность Ханта к морализаторству с особой силой проявилась в полотне «Пробудившийся стыд» (1853).Следующую свою картину «Светоч Мира» (1854) Хант задумал как парную к «Пробудившемуся стыду».
На создание этого впечатляющего полотна художника вдохновила следующая цитата из Откровения Иоанна Богослова (3, 20): «Се стою у двери и стучу, если кто услышит голос мой и отворит дверь, войду к нему и буду вечерять с ним, а он со Мною». Эти проникновенные слова художник поместил на раме картины.
Хант признавался в письме к своему другу Уильяму Беллу Скотту, что был побужден к написанию картины некой божественной волей. Первоначально он намеревался сделать сцену дневной, но потом им завладела идея создания ночной картины, - область, в которой до этого художник еще ни разу себя не пробовал.
На поиски подходящего места для пейзажа Хант отправился в Суррей. Во время прогулки с фонарем в окрестностях станции Ивелл он наткнулся на подходящую бедную хижину. Он нашел также сад, в котором построил себе соломенный шалаш, чтобы изучать эффекты проникающего через деревья лунного света.
В течение нескольких месяцев Хант трудился над картиной, прослыв сумасшедшим среди местных жителей, каждую ночь наблюдавших его с фонарем и этюдником. Миллес, живший в то время в Сурее вместе с ним, вспоминал впоследствии: «Этим вечером я вышел в сад (прекрасная лунная ночь, но очень холодная) с фонариком для Ханта, чтоб увидеть эффект… которого он хочет достичь при помощи этого лунного света».
Хант заканчивал картину в своей лондонской мастерской, где разработал устройство, с помогавшего достигать необходимых световых эффектов и днем и ночью. Особое внимание художник уделил фонарю в руке Христа, семь граней которого означают семь Церквей Апокалипсиса, а разные формы отверстий в корпусе указывают на множественность форм религии. В своем стремлении к детальной точности Хант даже изготовил макет фонаря.
Картина изобилует множеством красноречивых деталей, раскрывающих символический смысл полотна. Так у двери, в которую стучится Христос, нет наружной ручки – это говорит о том, что ее может открыть лишь тот, кто находится внутри, за дверью. Колючие сорняки, растущие прямо перед дверью, указывают на то, что ее долго не открывали. Лик Христа, освещенный мистическим светом фонаря, кажется неземным. Его взгляд направлен прямо на зрителя, словно приглашая каждого открыть дверь своей души и впустить Его.
Картина была показана на выставке Королевской Академии 1854 года, но не вызвала того эффекта, на который рассчитывал художник. Зрители остались равнодушными к пылкому призыву Ханта. Кроме того, некоторые критики усмотрели в ней проповедь католицизма.
Рескин выступил в “Times” с разъяснением символического смысла картины. В своем письме 5 мая 1854 года он высоко оценил художественные качества «Света Мира», назвав его одним из самых прекрасных произведений на религиозную тему, которые когда-либо появлялись в этом веке или в каком-либо другом.
Картину купил Томас Комб, а его жена впоследствии передала ее Кейбл-колледжу. Только с годами «Свет Мира» стал восприниматься как один из самых впечатляющих образов эпохи, но в основном благодаря многочисленным гравюрам и открыткам, распространявшимся по всей Англии.
В 1904 году Хант, недовольный тем, как его полотно экспонируется в колледже, написал второй вариант картины, немного отличный от оригинала. Ему хотелось, чтобы «Свет Мира, его страстную проповедь, увидело как можно больше людей. Чарльз Бут, который приобрел картину, принял меры к тому, чтобы она была показана во всех крупных городах Англии, а также в Америке, Канаде, Новой Зеландии и Австралии. По возвращению картина была передана Кафедральному собору святого Павла, где и находится по сей день.
Впервые интерес Ханта к световым эффектам проявился со всей силой его живописного таланта в картине «Наши английские берега» (1852).
Полотно было показано на выставке Королевской Академии и воспринято как саркастический комментарий к отсутствию у Англии защиты перед лицом потенциальной французской угрозы.
Однако Хант, предпочитавший политике религию, вкладывал в свое полотно иной, более глубокий, смысл. Во время работы он вдохновлялся словами из 53 главы Книги пророка Исайи: «Все мы блуждали, как овцы, совратились каждый на свою дорогу».
Если Браун, в том же году написавший своих «Милых барашков», договорился, чтобы ему каждый день привозили овец в его загородное поместье, а Миллес для картины «Христос в доме своих родителей» брал овечьи головы в лавке мясника, то Хант наблюдал изображенное им стадо в реальном пейзаже. Картина написана убедительно и свежо. Привычная художнику жесткость сведена к минимуму, а золотистый солнечный свет, проливающийся с небес на беззащитное стадо, написан столь убедительно, что на Бирмингемской выставке 1852 года картина получила Гран-при.
В 1855 году художник принял участие во Всемирной выставке в Париже, представив «Наши английские берега». Хант заменил название на «Заблудшие овцы», что придало ей, висящей рядом со «Светом Мира», ярко выраженный религиозный смысл. В таком новом качестве картину безоговорочно принял Рескин, отметивший с восторгом ее световые и цветовые эффекты.
Несомненная колористическая новизна полотна Ханта вызвала также восхищение великого Делакруа, записавшего в своем дневнике «Я по-настоящему очарован овцами Ханта». Известный французский писатель и критик Теофиль Готье в своей статье «Изящные искусства в Европе» так охарактеризовал поразивший его пейзаж: «Остановитесь, чтоб созерцать его, он стоит того. Под странной зеленью омытого голубыми тенями и позолоченного солнцем газона вы проследите каждую складку местности, вы обнаружите растения, примятые проходившим стадом, места, где видны проблески спрятанной от глаз воды, работа, которая свела бы с ума китайца!.. Это особый феномен, на выставке, пожалуй, нет другой картины, которая так же смущала взгляд, как «Заблудшие овцы», картина, которая кажется ложной, на самом деле – самая верная».
Хант был страстным путешественником, он хотел увидеть своими глазами те места, который становились темой и фоном его картин. Значительную часть жизни художник провел в поездках по странам, куда многие его соотечественники не попадали даже в своих мечтах. Он трижды (в 1854, 1869 и 1873 годах) посетил Святую Землю, чтобы писать библейские картины на месте реальных событий. В январе 1854 года Хант отправился в двухгодичное путешествие по странам Востока. Он посетил Египет, Сирию, Палестину.
Блестящим итогом этого путешествия стала одна из самых загадочных картин художника - «Козел отпущения», изображающая одиноко стоящее животное на покрытых солью берегах Мертвого моря на фоне великолепного красочного заката.
Картина была впервые показана на выставке Королевской Академии в 1856 году вместе с тремя восточными пейзажами.
Картина изображает ритуал Искупления, описанный в библейской книге Левит, согласно которому один козел приносился в жертву, а другой отпускался в пустыню во искупление грехов общины. Идею сюжета подсказал бродячий проповедник Монк, одержимые идеей возрождения израильского государства.
Хант только что закончил картину «Свет Мира», и появление в его жизни бородатого пророка, разглагольствующего об искуплении грехов мира, не могло не поразить его воображение. Монк хотел видеть в картине аллегорию судьбы еврейского народа, однако у Ханта были на этот счет свои планы. В его восприятии «Козел отпущения» символизировал Христа, презренного и отверженного людьми, истерзанного за их прегрешения.
Художник писал картину с натуры, держа живого козла на привязи на берегу Мертвого моря, а для фона избрал место Карбет-Ездум, где, согласно преданию, находился Содом. В этом пустынном пейзаже, рискуя быть ограбленным, Хант и писал своего «Козла отпущения» дни напролет. Позднее он вспоминал: «Я продолжал невозмутимо переносить краски с палитры на полотно, не спуская руки с ружья… Так же спокойно, как если бы я находился у себя в мастерской».
По возвращению в Англию Хант показал полотно на выставке Королевской Академии, однако картина показалась публике странной и не имела успеха. В самом деле, зрителя, смотрящего на картину, не покидает чувство тревоги и беспокойства. Какими средствами художник добился подобного эффекта, определенно сказать невозможно.
Так или иначе, «Козел отпущения» при всем разнообразии его толкований до сих пор остается самым загадочным произведением прерафаэлитов. Существуют два варианта картины. На одном из них Хант изобразил радугу, внезапно появившуюся в небе во время одного из сеансов.
Во время первого путешествия по Востоку, названного самим художником «утолением долгой жажды», родилась и картина «Любезности продавца ламп: Уличная сцена в Каире» (1854).
Хант жадно впитывал достопримечательности, дразнящие звуки и ароматы Каира. Его голова всегда была полна красками и идеями. К сожалению, художник столкнулся в своей работе с непреодолимыми проблемами, так как мусульманские законы запрещали жителям позировать ему.
Ханту пришлось довольствоваться грубыми и беглыми зарисовками. Он написал с натуры лавку продавца ламп и улицу. В конце концов, художник все-таки уговорил позировать ему одну маленькую девочку из Гизы, куда он отправился смотреть знаменитые пирамиды. Девочка согласилась, так как дом ее находился далеко, а Хант сумел убедить ее, что об этом никто не узнает. Фигуру юного продавца ламп он вписал уже по возвращению в Лондон.
На картине изображены двое – юноша и девушка. Продавец ламп пытается отвести чадру, закрывающую лицо юной покупательницы, над которой сверкают ее глаза. В движении рук и взглядов персонажей художнику удалось показать целую гамму чувств и эмоций – настойчивое желание и торжество юноши, замешательство и стыд девушки. Трудности, появившиеся во время работы, не позволили художнику закончить картину к выставке Королевской Академии 1854 года, однако все, кто видел ее в доме Ханта, выражали единодушное восхищений. Позднее художник выполнил еще один вариант этой сцены.
В 1854 году во время путешествия по Святой Земле Хант задумал полотно «Иисус, найденный родителями в Храме», работа над которой продолжалась в течение шести лет.
Художник, привыкший согласно одной из доктрин Братства прерафаэлитов все писать с натуры, и здесь столкнулся с той же проблемой, так как местный раввин запретил горожанам позировать ему. Ханту пришлось убеждать раввина, что он пишет христианскую картину, и модели нужны ему только как фон. В итоге упорный художник все же получил разрешение.
Марию и Иисуса он вписал уже по возвращению в Англию. Это заметно по тому, как вырезаны фигуры главных персонажей. С другой стороны, возможно, намеренно несколько заострил контуры фигур, чтобы выделить их из толпы. Интересно, что вокруг головы Марии нет сияния, которым он наделил юного Христа – красноречивое свидетельство того, что Хант являлся христианином, но ни в коем случае не католиком.
Картина была представлена на выставке Королевской Академии в 1860 году и имела шумный успех не только в Лондоне, но и в других городах, где художник экспонировал ее. Тысячи людей стремились увидеть это полотно. В итоге «Иисус, найденный родителями в Храме» был куплен за 5 500 фунтов, а по поводу цены Хант советовался с самим Диккенсом.
В 1866-1868 годах художник жил и работал во Флоренции, куда переехал со своей молодой женой Фанни Вог.Здесь Хант создал одно из самых волнующих своих полотен – «Изабелла и горшок с базиликом» (1866-1868).
Картина написана на тему поэмы Китса, который, в свою очередь, использовал сюжет из «Декамерона» Боккаччо.
Полотна на эту тему писали многие прерафаэлиты, достаточно только вспомнить одну из первых картин Миллеса. Однако Хант взял за основу вторую часть легенды, согласно которой Изабелла, найдя Лоренцо убитым, спрятала голову своего возлюбленного в горшок с базиликом. Художник изобразил девушку нежно обнимающей сосуд с драгоценным содержимым. На сосуде отчетливо вырисовывается человеческий череп – красноречивый знак смерти. Ее волосы разметались по нему, словно стремясь смешаться с почвой, воссоединиться со своим возлюбленным.
В поэме Китса Изабелла чахнет и в конечном счете умирает. Героиню картины Хант писал с Фанни, находившейся на восьмом месяце беременности. В течение многих месяцев он заставлял ее позировать ему под жарким сентябрьским солнцем Флоренции. Это было утомительно для женщины в ее положении.
В октябре 1866 года Фанни родила сына Сирила, однако так и не смогла оправиться после тяжелых родов. 20 октября того же года она умерла, оставив художника с младенцем на руках. Убитый горем Хант в память об умершей жене, в браке с которой он не прожил и года, писал и переписывал картину, что стало для него своего рода траурным обетом.
В 1873 году вопреки закону Хант женился на Эдит Вог, младшей сестре умершей жены.
Бракосочетание состоялось в Швейцарии. В Англии этот брак был узаконен только в 1907 году.
В позднем творчестве Хант еще не раз обращался к религиозной тематике. Среди его шедевров можно назвать картину «Тень смерти» (1870-1873 ) – трагическое и волнующее предвидение Иисусом смертных мук на кресте.
Также можно назвать масштабное полотно «Триумф Невинных младенцев» (1876-1877), изображающее сцену бегства в Египет в окружении процессии Невинных младенцев, сопровождающей Святой семейство по водам жизни и освещенной неземным светом.
Последнюю картину художник написал в двух вариантах.
Существует также несколько версий его знаменитой «Леди Шалотт» (1887), причудливая пластика которой предвосхищает эстетику модерна.Кроме того, Хант был замечательным портретистом, а также оставил после себя целый ряд эффектных пейзажей, написанных живо и сочно. Также он являлся талантливым графиком, участвовал в оформлении журнала прерафаэлитов «Росток», сделал ряд великолепных иллюстраций для сочинения Теннисона в издании Моксона.
До последних дней художник участвовал в выставках в Галерее Гросвенор, Королевском обществе акварелистов, Новой Галерее и Новом Английском Арт-клубе. Одна из самых замечательных поздних работ художника «Чудо Священного огня» была показана в Новой Галерее в 1899 году.Свои взгляды на искусство Хант изложил в серии статей под общим названием «Братство прерафаэлитов: битва за искусство» (1886), положенных в основу его двухтомного исследования «Прерафаэлизм и Братство прерафаэлитов» (1905), ставшего первым среди работ, посвященных этому движению.
Художник оставил после себя обширную переписку с друзьями, несущую на себе отпечаток его незаурядной личности. Многие из его писем содержат оригинальные интерпретации собственных работ.
Хант не имел столь ярко выраженного природного таланта, как Миллес. Он не бал книжным интеллектуалом, как Россетти. Но художник всего добился тяжелым трудом.
Многие считали Ханта высокомерным и угрюмом в противоположность его другу Миллесу, отличавшемуся открытым характером и бывшим очень демократичным в общении. Характер Ханта в значительной степени определило его пуританское воспитание. В течение всей жизни он был очень набожным христианином и ко всему относился с той серьезностью, которая давала повод говорить о нем, как о человеке, лишенном чувства юмора.
В течение долгой жизни (а он прожил 83 года) Хант добился громкого признания, к которому действительно стремился. Он не создал своей школы, как Россетти, но его религиозная, глубоко мистическая живопись оказала огромнейшее влияние на развитие искусства разных направлений, в частности символизма и модерна.
Хант обладал яркой индивидуальностью, на которой не смогли повлиять никакие художественные веяния в современном ему искусстве. В течение более шестидесяти лет он последовательно проводил одну линию в своей живописи – страстную проповедь веры и добра. Его картины «Свет Мира», «Козел отпущения», «Иисус, найденный родителями в Храме», «Триумф невинных младенцев» навсегда изменили облик религиозной живописи.
Уильям Холман Хант умер 7 сентября 1910 года в Лондоне. 12 сентября его кремированные останки были захоронены в Кафедральном соборе святого Павла с национальными почестями.

Шишкин Иван Иванович

2009-09-12T13:34:00.000-07:00

* Иван Иванович Шишкин родился 25 (13) января 1832 года в Елабуге.
* Отец Шишкина был купцом второй гильдии. Он был очень увлекающимся человеком, многим интересовался, в том числе археологией, историей, краеведением… Свои увлечения, равно как и любовь к чтению и рисованию, Иван Васильевич передал своему сыну.
* Мать Шишкина, Дарья Романовна, по происхождению была мещанкой. Занималась домом и детьми, которых в семье было шестеро.
* 1844 год – будущий великий художник поступает в Первую мужскую гимназию в городе Казани.
* 1848 год – Иван Шишкин бросает учебу в гимназии, по его же собственным словам, «чтоб не сделаться чиновником».
* 1848 – 1852 год – Шишкин живет дома, пытаясь определиться и найти свое призвание. Он хочет рисовать, но против этого вся семья, за исключением отца. В дневнике Иван пишет следующее: «Посвятить себя живописи – значит отказаться от всяких легкомысленных занятий в жизни».
* 1852 год – Шишкин едет в Москву и поступает в Училище живописи, ваяния и зодчества. Учится здесь до 1856 года, здесь же раз и навсегда определяется с формой своего творчества: более всех Ивана Шишкина привлекает пейзаж. Он регулярно рисует в подмосковном лесу Сокольники. Многие советуют ему бросить этот жанр, считавшийся «недоходным» и даже «низшим».
* Апрель 1855 года – ученический этюд Шишкина «Сосна на скале» куплен Государственным Русским музеем.
* Начало 1856 года – Шишкин едет в Петербург и поступает в Академию художеств.
* 1857 год – за картину «В окрестностях Петербурга» и за ученические зарисовки природы Шишкин получает две Малые золотые медали.
* Этот же год – написана картина «Дубки под Сестрорецком».
* Лето 1858 года – студенты-пейзажисты, в том числе и Иван Шишкин, отправляются на Валаам на «летнюю работу на натуре». Картина, написанная там и названная автором «Сосна на Валааме», осенью удостоена серебряной медали.
* 1860 год – Шишкин оканчивает Академию художеств с Большой золотой медалью. По правилам, Большая золотая медаль дает выпускнику право на учебную оплаченную поездку за границу.
* 1865 год – на академической выставке экспонируется картина «Вид в окрестностях Дюссельдорфа». Сейчас эту картину можно увидеть в Государственном Русском музее.
* 1866 год – вернувшись из-за границы, Шишкин некоторое время живет в Москве. Работает вместе со своим другом еще по Москвовскому училищу Л.Л. Каменевым. От этого периода остается серия рисунков и этюдов «Братцево».
* 1867 год – «Вид в окрестностях Дюссельдорфа» Шишкин демонстрирует на Парижской всемирной выставке. Спустя год снова привозит ее же на выставку в Академию, в итоге получив за эту работу орден Станислава III степени.
* Этот же год – вторая поездка художника на Валаам. Вместе с ним едет его ученик Федор Васильев. Здесь написана картина «Рубка леса».
* Лето 1868 года – Иван Шишкин венчается с Евгенией Александровной Васильевой. В браке рождается дочь Лидия и двое сыновей, Владимир и Константин.
* 1869 год – написана картина «Полдень. В окрестностях Москвы», купленная после выставки Третьяковым для его галереи.
* 1870 год – Шишкин становится одним из учредителей Товарищества передвижных художественных выставок.
* 1871 год – Иван Шишкин с семьей живет в Елабуге.
* 1872 год – петербургское Общество поощрения художеств организует конкурс. Шишкин выставляет недавно созданное полотно «Мачтовый лес в Вятской губернии». И вновь прямо на выставке работу покупает Третьяков.
* Апрель 1874 года – умирает Евгения Александровна, жена Шишкина, а вслед за ней уходят и оба сына. Пытаясь пережить горе, художник не работает целый год, сходится с бывшими однокурсниками, начинает пить.
* 1875 год – сумев собраться, Шишкин вновь отсылает на очередную выставку несколько картин, самой известной из которых признана «Родник в сосновом лесу».
* Начало 1878 года – написана картина «Рожь».
* 1880 год – Шишкин женится на начинающей художнице Ольге Антоновне Лагоде, которая ради него бросила Академию. В браке рождается дочь Ксения.
* 1881 год – Ольга Антоновна скоропостижно умирает. Шишкину на этот раз удается удержаться от алкоголизма, он решает посвятить себя работе и воспитанию дочерей.
* 1882 год – с только что созданной картиной «Среди долины ровныя» Иван Шишкин участвует во Всероссийской промышленно-торговой выставке в Москве. Ему удается приятно удивить зрителей: они видят равнину вместе леса, а ведь Шишкин уже давно снискал славу пейзажиста-лесовика.
* 1885 год – написана картина «Сосновый лес».
* 1887 год – создано полотно «В сосновом лесу».
* 1889 год – написано «Утро в сосновом лесу», пользующееся наибольшей известностью из всех произведений художника.
* 1890 год – написана картина «Зима».
* 1893 год – император Александр III желает, чтобы художник Иван Шишкин посетил беловежские леса и потом представил ряд пейзажей. Шишкин выполняет волю императора и за лето и осень 1893 года создает 58 этюдов.
* 1894 год – вместе с Ильей Репиным Шишкин начинает преподавать в Высшем художественном училище при Академии художеств.
* В это же время на художника начинаются нападки, якобы он «ремесленник», а не творец. Он и сам говорил своим ученикам, «нечего ждать вдохновения», оно должно прийти за работой… Тем не менее мастера расстраивают эти нападки.
* 1898 год – последней и самой большой по размеру картиной Ивана Шишкина становится «Корабельная роща».
* 20 (8) марта 1898 года – Иван Иванович Шишкин умирает в Москве, прямо за мольбертом, едва успев начать картину «Лесное царство».

Васнецов Виктор Михайлович

2009-09-05T13:24:00.000-07:00

* Виктор Михайлович Васнецов родился 15 (3) мая 1848 года в селе Лопьял Уржумского уезда Вятской губернии (сейчас это Кировская область).
* Отец Васнецова, Михаил Васильевич, был в селе священником. Мать звали Аполлинария Ивановна. Виктор был вторым из шести ее сыновей.
* Вскоре после рождения Виктора семья переезжает в село Рябово. Там проходит детство будущего художника.
* Несмотря на то, что по традиции дети священников наследовали их профессию, Михаил Васильевич стремился дать своим сыновьям разностороннее образование. В семье всегда были научно-популярные журналы и книги.
* 1858 – 1862 года – Васнецов учится в духовном училище в Вятке, затем переводится в духовную семинарию. Как сын священника, учится бесплатно. В свободное время занимается рисованием, особый интерес проявляя к русскому эпосу.
* 1866 год – Виктор Васнецов иллюстрирует сборник русских пословиц и поговорок, готовит для книги более 70 рисунков. Книга не выходит, но рисунки сохранились и были изданы отдельно в 1912 году. В этот же период Васнецов принимает участие в росписи вятского кафедрального собора.
* На последнем курсе решает оставить семинарию и отправиться в столицу, чтобы обучаться живописи. Отец, несмотря на то, что сын нарушил семейную традицию, благословляет его.
* 1867 год – переезд в Петербург. Васнецов пытается поступить в Академию художеств, но по какому-то недоразумению это ему не удается. Альтернативой Академии становится рисовальная школа при Обществе поощрения художеств. Васнецов продолжает сотрудничать с издательствами, зарабатывает иллюстрированием книг и частными уроками.
* 1868 год – поступление в Академию художеств со второй попытки. В первые годы обучения получает несколько малых и одну большую серебряную медаль за свои работы. Они экспонируются на выставках Общества поощрения художеств («Нищие», «Рабочий с тачкой», «Чаепитие» и другие).
* За время учебы в Академии Васнецов знакомится и завязывает дружеские отношения с Ильей Репиным, позже – с Василием Суриковым, другими художниками.
* 1871 год – сделан первый карандашный набросок картины «Богатыри».
* 1873 год – меценат Павел Третьяков приобретает одну из самых ранних картин Васнецова, написанных маслом, – «Рабочие с тачками».
* 1874 год – работы Васнецова «Книжный лавочник» и «Мальчик с бутылкой вина» выставлены на Всемирной выставке в Лондоне. Автор, еще студент, получает за них бронзовую медаль.
* 1875 год – не окончив курса обучения, художник уходит из Академии.
* 1876 – 1877– ровно год Виктор Васнецов проводит в Париже. Ему очень помогает друг по Академии Илья Репин, остановившийся во Франции во время своей большой поездки по Европе. Васнецов пишет здесь два варианта картины «Балаганы в окрестностях Парижа» («Акробаты»), задумывает картину «Богатыри» и создает к ней первые эскизы, участвует в выставках.
* Ноябрь 1877 года – женитьба на Александре Владимировне Рязанцевой.
* Март 1878 года – Виктор Васнецов принят в Товарищество передвижных художественных выставок.
* Этот же год – художник с семьей переезжает в Москву. Именно здесь давний интерес Васнецова к народной сказке и былине в полной мере проявляется в его работах.
* 1880 год – написана первая картина на историческую тему «После побоища Игоря Святославича с половцами», навеянная «Словом о полку Игореве». Тематика для русской школы живописи была новая, и, как всегда в таких случаях, встретили ее прохладно. Кто-то восхищался, но были и не понявшие увлечения художника. Разногласия критики постепенно перерастают в острую полемику.
* 1881 год – закончена работа над картинами «Аленушка», «Три царевны подземного царства», «Битва скифов со славянами».
* 1884 год – Васнецов получает предложение провести работы по росписи Владимирского собора в Киеве.
* Весна 1885 года – короткая поездка в Италию с целью ознакомиться с искусством итальянского Возрождения.
* 1885 – 1896 годы – Васнецов в Киеве, руководит работами по росписи собора. Успех готовой росписи был грандиозен.
* 1889 год – закончена картина «Иван-царевич на Сером волке».
* 1891 год – Васнецов осуществляет свою давнюю мечту: строит по собственному проекту мастерскую. В ней начинает работать над давным-давно задуманной картиной «Богатыри».
* 1892 год – Виктор Михайлович получает звание профессора живописи. Спустя год избран действительным членом Петербургской Академии художеств.
* 1897 год – закончена картина «Царь Иван Васильевич Грозный».
* 23 апреля 1898 года – закончена работа над картиной «Богатыри».
* Этот же год – первая персональная выставка Виктора Михайловича. Художник предъявляет публике «Богатырей». Вскоре картина появляется в Третьяковской галерее.
* 1900 год – Васнецов избран действительным членом Музея изящных искусств.
* 1902 год – награждение французским орденом Почетного легиона.
* 1905 год – художник вступает в националистическую организацию «Союз русского народа».
* 1912 год – закончена картина «Песнь о Сальгаре».
* 1917 год – Васнецов вступает в художественный союз «Изограф».
* 23 июля 1926 года – Виктор Михайлович Васнецов умирает в Москве. Похоронен на Введенском кладбище.

Картины Эдварда Роберта Хьюза

2009-08-28T14:13:00.000-07:00

Ах, что это в гнезде

Невеста Бетруччио

День

Девственницы Дианы

Сердце снегов

Ева летнего солнцестояния

Слёзы лени

Монна Джованна

Дарящая сон Ночь со шлейфом из звёзд

Ночь

Дозор валькирии

Церковная десятина

Сумеречные фантазии

На крыльях утра

Bryam's Tryst

Сварливая Катарина

Поединок

Mrs Drury Percy Wormald and Son

Дебютантка

Тайное письмо

В церкви

Музицирование

Суриков Василий Иванович

2009-08-21T13:32:00.000-07:00

* Василий Иванович Суриков родился 24 (12) января 1848 года в Красноярске.
* Отец Сурикова, Иван Васильевич, служил губернским регистратором. Он обожал музыку и считался лучшим певцом в Красноярске.
* Мать, Прасковья Федоровна, считалась женщиной строгих нравов, неуклонно соблюдающей обычаи. Одновременно она была художественно одаренным человеком, известной рукодельницей.
* Предки Суриковых пришли в Сибирь с Дона еще в XVI веке, художник принадлежал к старинному казачьему роду и на протяжении всей жизни неимоверно гордился этим.
* 1861 год – Суриков оканчивает с похвальным листом Красноярское уездное училище.
* Первым учителем будущего великого живописца (не считая конюха, показавшего еще ребенку азы лубочного ремесла) стал преподаватель рисования из училища Николай Васильевич Гребнев. По воспоминаниям самого Сурикова, учитель «чуть не плакал» над талантливым учеником.
* Из-за сложностей с деньгами сразу же после училища Василий Суриков должен идти работать. Он устраивается канцеляристом в губернское управление, но рисовать не бросает. Чтобы заработать, раскрашивает пасхальные яйца «по три рубля за сотню», однажды пишет на заказ икону «Богородичные праздники».
* 1868 год – красноярский губернатор П.Н. Замятин, очень ценивший качественную живопись, отправляет работы Сурикова в Петербург, вместе с ходатайством о его зачислении в Академию художеств. Сурикова принимают в Академию, но без выплаты стипендии. Замятин, вместе с городским головой, золотопромышленником и коллекционером П.И. Кузнецовым, берут на себя расходы по обучению и проживанию художника в Петербурге.
* 1869 год – Василий Суриков с рыбным обозом своего первого мецената, купца Кузнецова, отправляется в Петербург, учиться в Академии. Его принимают не сразу, и, прежде чем стать вольнослушателем, Суриков три месяца учится в Обществе поощрения художеств у М.В. Дьяконова. За этот срок он проходит программу трех лет.
* 1870 год – долгожданное зачисление в Академию. В первые же годы обучения Суриков получает четыре серебряные медали. И уже тогда проявляет интерес к историческим сюжетам.
* Этот же год – написано первое профессиональное произведение художника «Вид памятника Петру I на Сенатской площади в Петербурге».
* 1874 год – студент Суриков пишет картину из древнерусской истории «Княжий суд».
* 1875 год – работа над полотном «Апостол Павел, объясняющий догматы христианства перед Иродом Агриппой, сестрой его Береникой и римским проконсулом Фестом». Произведение было программным и должно было принести выпускнику Академии Сурикову золотую медаль. Однако комиссия не сочла полотно законченным, и Суриков получает лишь звание классного художника первой степени.
* 1877 год – Сурикова, едва закончившего обучение, приглашают в Москву, расписывать фресками храм Христа Спасителя. Этот заказ художник предпочитает поездке на обучение за границу. За два года он создает фрески, изображающие четыре Вселенских собора. Это была последняя работа, которую Суриков когда-либо делал на заказ.
* 1878 год – Василий Суриков женится на Елизавете Августовне Шаре, внучке декабриста П. П. Свистунова. В этом браке родилось две дочери.
* 1878 – 1881 годы – работа над «Утром стрелецкой казни». Павел Третьяков покупает эту картину прямо на выставке для своей коллекции.
* 1881 год – Василий Суриков становится членом Товарищества передвижных художественных выставок («передвижником»).
* 1883 год – написана картина «Меньшиков в Березове». Произведение также попадает в коллекцию Павла Третьякова.
* Деньги, вырученные от продажи последних двух картин, позволяют Сурикову вместе с семьей отправиться в путешествие по Европе. Они посещают Германию, Францию, Италию, Австрию… По впечатлениям этой поездки Суриков пишет картину «Сцена из римского карнавала» (1884 год). Известен также этюд к этой картине «Итальянка».
* 1887 год – написана «Боярыня Морозова». Драматическая трилогия о переломных событиях XVII века («Утро стрелецкой казни», «Меньшиков в Березове», «Боярыня Морозова») сделала Сурикова одним из известнейших художников своего времени.
* 1888 год – умирает Елизавета Августовна Сурикова. Смерть любимой жены становится тяжелым ударом для художника. На некоторое время он перестает писать и уезжает с детьми в Красноярск. Свои чувства художник выражает только в одной картине, написанной в этот период – «Исцеление слепорожденного».
* 1891 год – в Красноярске художник работает над произведением «Взятие снежного городка».
* Этот же год – возвращение в Москву.
* 1893 год – Василий Иванович Суриков становится действительным членом петербургской Академии художеств.
* 1895 год – художник вновь обращается к истории и пишет «Покорение Сибири Ермаком».
* 1895 – 1899 годы – работа над картиной «Переход Суворова через Альпы». Произведение закончено в год столетия этого события. Этюды к картине писались в Швейцарии, на месте исторического перехода.
* 1907 год – Суриков уходит от «передвижников».
* 1907 – 1910 годы – Василий Суриков пишет большое полотно (последнее в своей жизни) «Степан Разин».
* 1910 год – усилиями Сурикова на его родине, в Красноярске, открывается рисовальная школа.
* 1912 год – на выставке Союза русских художников показывается картина Сурикова «Посещение царевной женского монастыря».
* 1913 год – написан первый автопортрет художника.
* 1915 год – Суриков пишет свой второй автопортрет.
* 19 (6) марта 1916 года – Василий Иванович Суриков умирает в Москве от склероза сердца. Похоронен на Ваганьковском кладбище.
* Имя Василия Сурикова присвоено Московскому художественному институту искусств и Красноярскому художественному училищу.

Айвазовский Иван Константинович

2009-08-17T13:12:00.000-07:00

* Иван (Ованес) Константинович Айвазовский родился 29 (17) июля 1817 года в Феодосии.
* Отец художника, Константин (Геворг) Гайвазовский, был разорившимся после чумы 1812 года коммерсантом. Ему удалось привить всем своим детям любовь и уважение в армянской культуре и традициям.
* Мать Айвазовского звали Рипсиме. Она воспитала трех дочерей и трех сыновей. Весь город знал ее как искусную вышивальщицу.
* Талант будущего художника проявился рано. Айвазовский постоянно рисовал корабли и море, причем не только карандашом на бумаге, но и с помощью подручных средств – например, углем на стенах. Иван к тому же играл на скрипке, проявляя хорошие музыкальные способности.
* 1831 год – губернатор Тавриды А.И. Казначеев, давно заметивший юного художника, помогает родителям определить его в Таврическую гимназию.
* 1833 год – Иван Айвазовский принят в Академию художеств в Петербурге. За годы учебы ему удается войти в круг известных всей России деятелей искусств. Среди его знакомых Александр Пушкин, Василий Жуковский, Карл Брюллов, Михаил Глинка.
* Одним из учителей художника-мариниста был приглашенный в Академию из Франции Филипп Танер. Он научил его писать воду. Впрочем, через несколько лет Айвазовский оставит метод Танера и найдет собственный.
* 1835 год – Айвазовский пишет «Этюд воздуха над морем», за который получает от Академии большую серебряную медаль. Это событие окончательно определяет выбор: художник Айвазовский будет работать исключительно с морскими пейзажами.
* 1837 год – Айвазовский оканчивает Академию с большой золотой медалью, дающей ему право на поездку за границу за счет учебного заведения. Однако первые два года художник проводит в Крыму, на своей малой родине. Это было задание Академии – писать морские пейзажи и приморские города (Керчь, Ялту, Севастополь, родную Феодосию). Двадцатилетний художник попадает на русские военные корабли, знакомится с адмиралами, мастерами военно-морского дела, много работает и в итоге превращается в признанного и широко известного мастера-мариниста.
* 1840 год – написаны картины «Высадка десанта в доме Субания», «Вид Севастополя». Оба произведения тут же выкуплены российским императорским домом.
* Этот же год – поездка за границу (Италия, Испания, Португалия, Франция, Швейцария, Германия, Голландия, Англия). Буквально за несколько месяцев об Иване Айвазовском и о его великолепных пейзажах узнают во всей Европе. Академии художеств Рима и Амстердама принимают его в свои члены. За границей художник встречается со своими знаменитыми соотечественниками: Николаем Гоголем, Александром Ивановым.
* 1843 год – на выставке в Париже представлены полотна «Лодка черкесских пиратов», «Остров Капри», «Тишь на Средиземном море». Работы получают высокие награды, а их автор – почетное звание академика Парижской Академии художеств.
* 1844 год – возвращение в Россию. Через короткое время Айвазовского избирают академиком Петербургской Академии художеств. Особым царским указом Иван Константинович причислен к Главному морскому штабу со званием живописца и правом ношения мундира морского министерства.
* 1845 год – переезд в Феодосию. Здесь Айвазовский приступает к строительству дома для себя и своей семьи. Дом строится по собственным чертежам художника, в итальянском стиле. Здесь же устраивается большая мастерская.
* С этого времени Иван Айвазовский постоянно живет в Феодосии, однако часто посещает Петербург и Москву, устраивает собственные выставки в России и в Европе, участвует в международных (сначала в Европе, а к концу века – и в США). В его доме бывают Илья Репин, Иван Шишкин, известный меценат и коллекционер Павел Третьяков, Антон Чехов.
* 1847 год – Айвазовский избран профессором Петербургской Академии художеств за картины «Виды Черного моря» и «Монастырь св. Георгия». В свои члены принимают его академии Штутгарта и Флоренции.
* 1848 год – Айвазовский пишет «Чесменский бой».
* 1850 год – написана картина «Девятый вал».
* 1857 год – на выставке в Париже Айвазовский выставляет свое произведение «Четыре богатства России». За эту картину он (первым из иностранных художников) удостаивается ордена Почетного легиона.
* 1861 год – Федор Достоевский пишет статью «Выставки 1860-1961 гг. в Академии искусств», в которой называет творчество Ивана Айвазовского «сказочным».
* 1868 год – Айвазовский исполняет свою давнюю мечту и отправляется в путешествие по местам, где родились и жили его предки – по Закавказью. Среди произведений, написанных во время и после путешествия, известна картина «Сошествие Ноя с Арарата».
* 1870-е годы – вся Европа продолжает восхищаться искусством Айвазовского. Однако на родине в его адрес все чаще звучит критика. В России развивается и набирает силу движение художников-передвижников, которые в своих произведениях пропагандируют реализм. «Сказки о море» смотрятся на этом фоне по меньшей мере странно. Критика начинает обвинять художника в том, что он «стоит в стороне от общего развития русской пейзажной школы».
* 1874 год – во Флоренции с большим успехом проходит персональная выставка Ивана Айвазовского.
* 1880 год – Айвазовский открывает в Феодосии картинную галерею. Это был третий по счету музей, открытый в Российской империи. По завещанию художника после его смерти галерея была передана в собственность города. Теперь здесь – самое полное собрание произведений Ивана Айвазовского.
* Этот же год – художник пишет полотно на тему армянской культуры «Посещение Дж. Г. Байроном монастыря мхитаристов близ Венеции». Сейчас эта работа находится в Картинной галерее Армении в Ереване.
* 1881 год – художник полностью за свой счет открывает в родном городе археологический музей. Горожане и власти избирают его Почетным гражданином Феодосии (первым в городе).
* Этот же год – написана картина «Черное море».
* 1882 год – женитьба на армянке Анне Бурназян. Это был второй брак Айвазовского и он, по собственным словам художника, еще больше приблизил его к армянскому народу.
* 1887 год – в соавторстве с Ильей Репиным Айвазовский создает картину «Пушкин на берегу моря». Пейзаж пишет Иван Константинович, а фигуру великого поэта – Репин.
* 26 сентября этого же года – мир изобразительного искусства широко празднует пятидесятилетие служения Айвазовского искусству. Художник дарит Петербургской Академии «Пушкина…».
* 1888 год – Айвазовский делает еще один подарок Феодосии: выступает одним из организаторов (и спонсоров) строительства городского водопровода.
* 1890-е годы – турецкий султан Абдул-Гамид устраивает в Константинополе резню, в которой погибают сотни тысяч армян. Те, кому удалось спастись, бежали в Россию, некоторые останавливались в Феодосии. Иван Айвазовский глубоко переживает трагедию родного ему народа. Он делает все, чтобы обеспечить беженцев жильем. Награды, пожалованные ему Османской империей, демонстративно швыряет в море. О чувствах художника ясно говорят его произведения этого периода: «Армян живыми бросают в море», «Погром армян в Трапезунде» и другие. Эта серия картин выставляется в Москве и Одессе.
* Всего за всю свою творческую жизнь художник создет около 6 тысяч картин. При этом большинство из них он демонстрирует только на персональных выставках.
* 19 (2) апреля 1900 года – Иван Константинович Айвазовский умирает в Феодосии. В этот день художник начинает картину «Взрыв турецкого корабля». Похоронен в Феодосии. На его памятнике выбита надпись: «Родившись смертным, оставил по себе бессмертную память».

Карта блога

2009-07-05T10:24:00.000-07:00

Эрнесто Бертени.Рисунок и ткань

2009-06-12T12:47:00.000-07:00